Imitation and Imagination. Hidden distortions. Naturalism in art history

Noticias: Visita a Galería Artelibre, despues de Imitación y Imaginación


Imitación e Imaginación 4

Dürer-imitate-figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman

Previamente

Esto es la última parte de la conferencia que dí en mayo de 2018, Imitación e Imaginación, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda. Mi conferencia trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación en el arte clásico, incluído la variante contemporánea. El naturalismo es una de las muchas expresiones del arte representacional, una con un alto grado de imitación. Vea por ejemplo un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. »

Esto es una opinión que se oye frecuentemente. Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¡Exactamente! No hay alma, no hay creatividad artística. Y de esto se trata en esta discusión.
Contestaré la opinión que el naturalismo carece de imaginación.

 

Parte 1 de la conferencia está en el blog de agosto 2017, vea Archivo.
Parte 2 en el blog de agosto 2018, vea Archivo.
Parte 3 en el blog de octubre 2018, vea Archivo.
Parte 4, última parte, es la que sigue.

El realismo del siglo diecinueve

Dos siglos después del Siglo de Oro Holandes, en 1855, el cuadro Los quebrantadores de piedras de Courbet fue rechazada por el Salón de París. Esto nos suena familiar.
Courbet luego alquiló una barraca de madera, la bautizó con el nombre Pavillon du Réalisme (Pabellón del Realismo) y ahí mostró sus obras durante la Exhibición Mundial de París. Courbet luego escribió su Manfiesto Realista. Acuñó el término realismo, fiel a la realidad, en forma y contenido.

Courbet The Stone Breakers realism

Gustave Courbet. The Stone Breakers, oil on canvas, 1849, 160x259cm

“Mitos no”, dijo Courbet. “¿Ángeles? No los he visto nunca.” Mira la realidad cotidiana, la gente ordinaria. No hay necesidad de fabriaciones. Courbet no era dogmático, a veces inventaba cosas. Pero sin duda alguna abrió una brecha en la tradición clásica donde la ‘Invención’ era idéntica a sujetos elevados e idealizados. Donde la holandeses aún observaban lo divino en la naturaleza, Courbet suprimió la dimensión metafísica.

A finales del siglo diecinueve había toda suerte de realismos; piensa en Lepage, Bougueraux, Sargent, Waterhouse, Alma Tadema, Zorn, Repin. Eran famosos en su día, pero después olvidados por la mayor parte. Pero el realismo puede ser ‘fantástico’ y de ninguna manera inferior al impresionismo contemporáneo tan apreciado. Vea Frederic Edwin Church (1826-1900) de los Estados Unidos.

Church. Twilight,

Frederic Edwin Church. Twilight, ‘Short Arbiter ‘Twixt Day and Night’, oil on canvas, 1850, 81,3×121,9cm.

O el ruso Iván Shishkin (1832-1898), un pintor eminentemente naturalista. Su Invierno es abrumador por su grandeza y realidad. Matices de color y tono extremadamente refinadas en la nieve. Una riqueza de detalles en la corteza de los abedules. De esta manera Shishkin aumentaba el grado de realidad en su cuadro.

Shishkin. Winter

Ivan Shishkin. Winter, oil on canvas, 1890, 125,5x204cm.

Algunos colegas le llamaron ‘contador de hojas’.12 Incluso hoy en día muchos docentes tienen aversión a pintar demasiados detalles, por razones comprensibles. Pero ejecutados de manera adecuada, uno puede comparar los detalles a una música en que cada nota es tocada claramente sin perder la melodía, donde la variación en la repetición sólo enriquece. La grandeza no excluye la atención al detalle.

Y ¿su toque personal? En las palabras de Van Mander: ‘¡fabricación no!, ¡ornamentación no!’. Él deja que la Naturaleza hable con su propia voz. ¡No hagas nada más!
Para eso, se necesita gran habilidad. Por muy hábil que era, algunos críticos encontraron su obra demasiado naturalista, porque era tan parecida a la realidad misma. ¿Dónde estaba la imaginación? Shishkin logró en esconderla en su arte. Más sobre eso adelante.
Él pintó de esta manera naturalista para captar las cualidades observadas, aquella hermosura que quita el aliento. ‘Es exacto como la cosa real’, dice el público, consiguiendo un sentimiento similar a la experiencia original del artista. ¿Qué hace estos cuadros tan conmovedores? No puede ser sólo la imitación, ¿o sí?

Observando, viviendo y representando

Gezien van de Riet. Observing

Gezien van de Riet. Observing

Obviamente no me atrevería a colocarme al mismo nivel que estos maestros, pero yo descubrí que el proceso de creación empieza en mi cabeza desde el momento en que la belleza del mundo exterior alcanza mi ojo: …debe ser este color…, aquel patrón…; esto debe incluirse…, aquello excluirse…
El atmósfera y la experiencia se imprimen en mi memoria. Observo más y más de lo que me atina: la arquitectura del árbol, las matices, graduaciones, peculiaridades. Una selección de todo ello, por supuesto, porque es imposible pintar cada pequeño ramo. Esa selección también se genera de mi personalidad. Una imagen se forma en mi mente.

Durante el proceso de pintar, el sentimiento o la experiencia original funciona como una fuerza propulsora y también como un crítico severo: ¿el atmósfera está siempre presente? Entonces, déjame agarrar esta brocha, escoger aquel color. El sentimiento, la experiencia, se juntan con la técnica. De esa manera el sentimiento entra en la obra de arte.

Gezien van de Riet. The Beech of Kijkuit-2

Gezien van de Riet. The Beech of Kijkuit-2, alkyd/oil on panel, 60x90cm

Todo tipo de poblemas deben ser enfrentados. Las formas y los colores tienen efectos diferentes sobre un panel que en la realidad.
Imagínate un espacio infinito donde un árbol extiende sus ramas desnudas. La pintura se limita a un pequeño cuadro. Debo compensar por ello. Porque quiero evocar justamente aquel espacio infinito, que caracteriza el atmósfera.
Una dificultad en ello es que el material pintado (“el cielo”), refleja la luz real, mientras en realidad el espacio se experimenta justamente por la luz en el aire, por las partículas de polvo que captan la luz.

Gezien van de Riet. Sketch for Beech of Kijkuit-2

Gezien van de Riet. Sketch for Beech of Kijkuit-2, pencil on paper

Errando por la representación, el ojo del observador debe gozarse libremente. Por eso, hay un patrón abstracto harmonioso subyacente a la representación, tomando en cuenta direcciones, contrastes, balances etc.
Ese patrón puede obligarte a remover ramas o doblarlas. A veces tomo una foto de la pintura en progreso para manipularla en Photoshop; eso puede ser más rápido que hacer esbozos. La ilusión del espacio en una superficie plana puede obligarte a cambiar los colores de los objetos más lejanos, incluso cuando no es conforme a como lo habías visto.

Distorciones inconspicuas

En resumen, en el realismo naturalista el pintor concientemente aplica distorciones, pero de la manera menos conspicua posible. Debe estar escondido. Cuanto más hábil la ejecución, tanto más conmovedora la representación de la experiencia. Las distorciones inconspicuas pueden ser encontradas en muchas obras de arte clásicas.¿Sentimientos personales? Sí, muy personales, pero en el sentido de un compromiso total. Lo que realmente es añadido por el artista es el encanto que estaba ahí en la experiencia original, la belleza, la excitación, guiados por su talento artístico.

Conclusión

Mirando Una calle en Utrecht a contraluz, puedes pensar: Ah sí, ya conozco eso”. Entonces seguirás tu camino y te privarás de su belleza. Esa será reservada al observador o la observadora atenta. Él o ella caminará en su mente por esa calle, con aquel atmósfera agradable. ¿Cómo se logró esto? Por toda una serie de decisiones tomadas por el artista, que las logró a ocultar.

¿La imitación es sólo virtuosismo? Es más que ello. Porque ¿cómo es posible que el arte del Siglo de Oro Holandés siga encantando a millones de personas? Los pintores mismos estaban encantados por la belleza y lo expresaron hábilmente en sus obras.

Gezien van de Riet. Reaching for the Sky

Gezien van de Riet. Reaching for the Sky, watercolour/pastel on paper, 60x40cm

Dennis Dutton plantea en su libro The Art Instinct 13) que el amor a la belleza es innato. Mientras ese amor no se extinga, siempre habrá gente captada por la belleza y artistas llevados a recrear la belleza encontrada en la realidad.
Dogmas no, por favor. Hay muchos caminos hacia la belleza; el naturalismo contemporáneo tiene derecho a su lugar en el arte y la historia del arte.

Notas

12) Henk van Os, Voor het eerst: Russische landschappen, p.39. In: Patty Wageman & David Jackson (ed.), Het Russisch Landschap. Groninger Museum, Groningen & The National Gallery, London, s.d.
13) Dennis Dutton, The Art Instict. Beauty, Pleasure & Human Evolution. New York 2009.


Noticias

Galería Artelibre

Además del libro ‘Leonardo. Guía de arte y artistas’ la Galería Artelibre publica anualmente ‘Arte y Libertad’ con alrededor de cien artistas de todo el mundo. Apareció a finales de 2018 y mi trabajo está incluído también!

My pages in Arte y Libertad XIII

My pages in Arte y Libertad XIII

Esta galería está en Zaragoza y quiere ser una ventana para artistas de todos lados. Es una galería virtual y tiene una web con much@s artistas: www.artelibre.net. Mi página es: http://www.artelibre.net/en/node/27050.
Con mucho entusiasmo, se organizan todo tipo de actividades. Como son: la publicación de libros, la organización de una competencia anual de retratos, llamada Modportrait, junto con el MEAM. También clases de arte en el taller de la galería en Zaragoza y la organización de exposiciones en otras localidades.
Cuando se habla de la galería, se hable de Jose Enrique González.

‘Our Gingko’ on the easel

‘Our Gingko’; Arantxa Lobera (left near easel) put it on the easel to show it to visitors

En noviembre del año pasado visité con mi esposo J Galería Artelibre para entregar mi obra ‘Nuestro Gingko en otoño’ para la exposición ‘20 años, en 20×20’ que marcará el 20º aniversario de la galería. Han de participar un@s 150 artistas, tod@s con una obra de 20×20 cm. Se puede decir que el 20 significa 20 años de promover el realismo. Esto me calienta el corazón! Igual que el ahinco del Museum Møhlmann en Appingedam (Holanda) o del MEAM en Barcelona.

José Enrique González, Tetuán II, Dry oil

José Enrique González, Tetuán II, Dry oil on paper, 50x40cm

José Enrique González nos recibió con toda hospitalidad y nos mostró su gran colección de obras de arte. Me mostró la técnica del ‘óleo seco’. Casi parece dibujar: debes aplicar la pintura de óleo al pincel por tanto tiempo que parece seco al tocar; luego puedes aplicarlo sobre papel, como se ve en Tetuán II.

Hemos podido asistir a la inauguración de la magnífica exposición internacional ‘Algo más que realismo’ en Zaragoza. También es un evento anual.

En resumen, nuestra visita Galería Artelibre fue una alegría y una inspiración!

Pedro del Toro, ¿Sí? Oil on canvass

Pedro del Toro, ¿Sí? Oil on canvass, 116x114cm

Opening ‘Algo más que realismo’

Opening ‘Algo más que realismo’

José Enrique González (center) at ‘Algo más que realismo’

José Enrique González (center) at ‘Algo más que realismo’

Traducción NL-ES: Jeroen Strengers

Imitation and Imagination 3. Disclosure of Dutch Golden Age art theory

Imitación y Imaginación 3. Teorías de arte del Siglo de Oro holandés reveladas

Dürer-imitate-figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman

Previamente

En mayo de 2018 dí una conferencia, Imitación e Imaginación, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda.
Se trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación. El naturalismo tiene un alto grado de imitación. Vea por ejemplo un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. » 

Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¿Que el naturalismo carece de imaginación? Pero, contestaré la esta opinión.
Parte 1 de la conferencia: blog agosto 2017 (vea Archivo)
Parte 2: blog agosto 2018
Parte 3: la que sigue (elaborado)

Teorías de arte del Siglo de Oro holandés reveladas

Demos un salto en el tiempo hacia el año 2000. El libro Rembrandt. The Painter at Work es publicado. Un verdadero tesoro del Siglo de Oro holandés es revelado de manera experta y fascinante por Ernst van de Wetering. Se trata nada menos de las teorías de arte sobre el realismo, olvidadas durante más de tres siglos. Resulta que los artistas de aquella época eran eran muy versados en teoría de arte, lo cual había perfeccionado su comprensión y capacidad. ¡No en vano tienen fama mundial!
Por supuesto que esto vale sobre todo para Rembrandt, que ponderó, investigó, experimentó y desarrolló nuevas técnicas.

Rembrandt. The Painter at Work & Rembrandt. The Painter Thinking. Art theory Dutch Golden Age

Rembrandt. The Painter at Work & Rembrandt. The Painter Thinking.

Esta noción llegó a mí leyendo este libro con creciente asombro. ¿Por qué aqeullas ideas no son conocidas ahora? Escribí a Ernst van de Wetering que me gustaría saber más sobre aquellas teorías, pero que no tenía tiempo para leer los textos originales en su lenguaje del siglo XVII. No era necesario: me dio otros textos no publicados y en 2016 se publicó Rembrandt. The Painter Thinking. Nuevamente, yo estaba perpleja: salió a la luz una fuente rica para el arte – ¡tantas ideas inteligentes depositadas en tratados teóricos del arte!
Van de Wetering me contó que muchas personas le dijeron que sus libros eran como una revelación para ellas, mismo cuando pensaban que estaban bien informadas sobre Rembrandt y el arte del siglo XVII. ¡Igual que yo!
Volvamos ahora a aquella época, el Siglo de Oro.

Tesoro de arte en el Siglo de Oro Holandés

En la pintura holandesa se originó un realismo muy particular, ya en el siglo XVI, pero sobre todo el en siglo XVII. Varios pintores desarrollaron sus ideas sobre el arte y escribieron manuales. Enfatizaron la importancia de la imitación y la observación. Por supuesto incluyeron elementos clásicos como la perspectiva o la anatomia.

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Karel van Mander, Het Schilder-Boeck, 1604

El pintor-autor Karel van Mander describió un gran cantidad de fenómenos naturales en Het Schilder-boeck (El Libro de Pintura).3)

Samuel van Hoogstraeten: Art History Dutch Golgen Age

Samuel van Hoogstraeten: Art History Dutch Golgen Age

El antiguo alumno de Rembrandt, Samuel van Hoogstraeten, también escribió un manual importante: Inleyding tot de hooge schoole der schilderkonst: anders de zichtbaere werelt. 4) Estos libros pertenecían al equipaje cultural de todo pintor que se autoestimaba.
Se puede leer todo sobre ello en Rembrandt. The Painter at Work, y Rembrandt. The Painter Thinking, y otras publicaciones de Ernst van de Wetering. Ofrecen una lectura fascinante, sin duda también para los realistas contemporáneos, y estimulan la concientización de muchos aspectos de la mirada y de la representación.

Era esencial de crear espacio para obtener la ilusión de la realidad.

Rembrandt, details Nightwatch

Rembrandt, details Nightwatch

Aparte de la perspectiva, la percepción era un elemento importante. Se descubrió que si ponías un pedazo de papel color celeste contra el cielo del mismo color, siempre notarías que el papel está cerca y el cielo infinitamente lejos, por lo rugoso del papel.5)

Rembrandt aplicó este fenómeno a menudo, vea el detalle de La ronda de noche. La aplicación del descubrimiento de las leyes de la percepción contribuiría a la tridimensionalidad. ¡Imagínate aquellos pintores ponderando ese tipo de cuestiones!
La idea que el aire tiene substancia, que toma cuerpo en una distancia corta, y que su prensencia debería ser sugerida alrededor de cada objeto para crear espacialidad es maravillosa.

Rembrandt-Anatomy Lesson

Rembrandt, detail The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp

Van de Wetering: “El joven Rembrandt ya había aplicado esta noción con gran sutileza en ‘La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp’.” Plantea:

“Sólo cuando se toma nota concientemente de estas modulaciones de luz y tonalidad extremadamente refinadas de una cabeza y golilla a otra, de los cercas hasta el fondo, es que se evidencia que esto es una de las principales razones para el marcado efecto atmosférico de los cuadros de Rembrandt.”6)

Otras ideas para crear la ilusión del espacio han sido aplicadas en la fenomenal La ronda de noche. Se nota esto claramente comparando La ronda de noche con otros cuadros con el mismo tema que están expuestos en el mismo Rijksmuseum, Amsterdam.

Había también un tratado sobre los grados de sombra y qué tipo de pigmento había que usar en pintarlos. O aún la teoría de la disminución numérica de un rayo de luz penetrando una habitación.7)

Vermeer-Art-Painting

Vermeer, The Art of Painting

Vermeer probablemente estaba al tanto, como se evidencia por la luz interior de sus cuadros. Creó una combinación genial de espacialidad e intimidad.
Estos ejemplos demuestran el nivel de conocimiento excepcional entre los pintores de la época. No quiero decir que debemos copiar estas teorías, pero sí podemos aprender de ellas, y mejorar nuestro arte.

Realismo: banal, vulgar

Otro autor sobre esta época es Boudewijn Bakker. Relata que el realismo extremo de los holandeses invitaba la crítica de los italianos: ¿imitación?, está bien, pero ¿qué es de la imaginación?

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Hals, Laughing Boy

Al fin y al cabo, el arte debería levantar la realidad hacia un nivel superior, creando la belleza perfecta, idealizando. La temática holandesa era juzgada de ser banal, vulgar.

Una caricatura del artista inglés Thomas Rowlandson muestra cómo se vio este realismo holandés aún en el siglo XVIII.

Rowlandson, Dutch Academy

Rowlandson, Dutch Academy

La teoría clásica del arte enseñaba que los estudiantes debían dibujar estatuas antiguas, ya que estas tenían las proporciones perfectas. Samuel van Hoogstraten, que más tarde había de volverse a un estilo más clasicista, se quejaba de los modelos feos que Rembrandt llevaba a su estudio.

“En verdad, me quejo de mi suerte cuando miro mis antiguos dibujos académicos, que nos enseñaron tan parsimoniosamente en nuestra juventud; ya que no es más trabajo copiar una postura graciosa que una desagradable y repugnante.”8)

En efecto, Rembrandt iba muy lejos… En uno de sus autorretratos descubrí una pústula en su mejilla. Obviamente le gustó pintar esta ‘verdad’.

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Rembrandt Self Portrait, 1659, detail

Conté esto a mi muy querido profesor Diederik Kraaijpoel, cuando en una ocasión estábamos discutiendo sobre realismo, estilo y arte. ‘Sin estilo no hay arte’, había escrito en uno de sus libros; lógico, la realidad no tiene estilo. Entonces, un realismo tan naturalista, –le pregunté–,  con una pústula mostrando la pura verdad, podría ser considerado como algo más allá de cualquier estilo? De todos modos mi profesor no podía creer que Rembrandt realmente había pintado este pústula. Y sobre realismo muy naturalista comentaba: jamás puede ser una copia, el artista siempre hace una selección de la realidad.

La respuesta: un ‘hallazgo’

Karel van Mander respondió a la crítica italiana planteando: ”En la vida se encuentra todo”, no hay mejor manual. En el ‘libro de la naturaleza’, la creación visible es considerada como el el segundo o incluso el primer ‘libro’ de revelación divina, junto a la Sagrada Escritura.

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Intensive Looking

La Invención, o la Imaginación, también se puede considerar como un ‘hallazgo’, algo hallado en la naturaleza después de una observación larga y aguda. La observación intensiva es la llave hacia la belleza. La belleza está encerrada en la realidad. La realidad es creada por Dios.9)

 

 

El pintor debía empezar a trabajar desde la naturaleza cuánto antes. Y ¿el estilo, la maniera? Su consejo: no vayas a fabricar, “¡id de la ornamentación hacia la verdad!” Las fabricaciones podrían afectar la ilusión de realidad. El pintor no debía estilizar ni idealizar, sino caracterizar. 10)

Rembrandt-Girl-Pictureframe

Rembrandt, Girl in a Pictureframe

Para Rembrandt, ‘la verdad’ era la vida, a capturarse en su ‘vitalidad más natural’. Van de Wetering observa que el cuadro Una joven dentro de un marco da la impresión que la joven está a punto de poner su mano derecha sobre el marco; hasta la pendiente parece moverse; la vida es capturada en el momento.11)

Pues, los holandeses se desviaron de la teoría del arte corriente. La imitación era altamente apreciada. Pero la invención o la imaginación nunca estaban muy lejos. La belleza dentro de la verdad, intensamente observada por el artista, era transferida a la obra de arte.
Para mí, sentía como volverse a casa. Yo siempre había pensada de esa manera.

………………
3) Mander, Karel van. Het Schilder-Boeck. Haarlem,1604.
4) Hoogstraten, Samuel van. Inleyding tot de hooge schoole der schilderkonst: anders de zichtbaere werelt. Davaco Publishers, s.l., 1969.
5) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter at Work. Amsterdam, 2000. p. 183.
6) Id., p.187.
7) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter Thinking. Amsterdam, 2016. p.157.
8) Emmens, ) J.A.. Rembrandt en de regels van de kunst. Amsterdam, 1979. p.220.
9) Bakker, Boudewijn. “Natuur of kunst? Rembrandts esthetica en de Nederlandse traditie.” In: Christiaan Vogelaar e.a., Rembrandts landschappen. Zwolle, 2006. p.163.
10) Id., p.167, 166.
11) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter Thinking. Amsterdam, 2016. p.263.

Traducción NL-ES por Jeroen Strengers

Imitation and Imagination 2, TRAC2018. Noticias.

 

Imitation and Imagination 2, TRAC2018

Dürer, how to imitate complex figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman.jpg

En mayo de 2018 dí una conferencia, Imitation and Imagination, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda, junto con Ernst van de Wetering, el mayor mayor experto de Rembrandt en el mundo. Su contribucón trató de Rembrandt y la apreciación de calidad en el arte. Su conferencia estaba basada en:

A  CORPUS  OF  REMBRANDT  PAINTINGS  Volume  V  Chapter  IV  with  the  title:  On  quality:  Comparative  remarks  on  the  function  of  Rembrandt’s  pictorial  mind  (pp.  283  –  310).  Freely  accessible  in  The  Rembrandt  Database:

http://rembrandtdatabase.org/literature/corpus?tmpl=pdf&pdf=/images/corpus/CorpusRembrandt_5.pdf

Rembrandt, Abraham's sacrifice and Unknown, Abraham's sacrifice

Rembrandt, Abraham’s sacrifice and
Unknown, Abraham’s sacrifice

Mi conferencia trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación en el arte clásico, incluído la variante contemporánea.
El naturalismo es una de las muchas expresiones del arte representacional, una con un alto grado de imitación.
Vea un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. »

 

Esto es una opinión que se oye frecuentemente. Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¡Exactamente! No hay alma, no hay creatividad artística. Y de esto se trata en esta discusión.
Contestaré la opinión que el naturalismo carece de imaginación.

La primera parte de la conferencia se publicó en un blog anterior (vea Archivo, agosto 2017).
La segunda parte de Imitación e Imaginación es la que sigue.

Sin embargo, la crítica en la cita sí concuerda con mis dudas sobre mi propia obra. Me sentí afligida por preguntas:
● ¿El realismo naturalista es igual a copiar?
● ¿Es una forma de arte inferior? ¿Es aburrido?
● A mucha gente le gusta este tipo de obras, pero esto no significa que es arte relevante.
● ¿Aporta algo? Al fin y al cabo, la realidad, el mundo real, ya está ahí. Deberías hacer algo con ello, añadir algo.
● ¿No deberías meter tus sentimientos personales en tu arte?

drawing I don't know any more

I don’t know any more, pencil-eraser-paper

Arte bueno, ¿quién lo juzga?

El realismo contemporáneo en los Países Bajos ha florecido por treinta años ahora. Esto es bién especial en Europa. Sin embargo, las instituciones oficiales de arte y los medios de comunicación generalmente no lo han tomado en cuenta. Despues de treinta años esto es muy raro. Se retiene un tesoro cultural al gran público.
Recientemente, una periodista escribió un un prestigioso periódico holandés que el realismo puede ser riesgoso. Sí, virtuosismo es necesario, escribe ella, pero el comentario ‘Parece una foto’ no es un cumplido. ‘Parece real’, aún menos. El artista debe exponerse a sí mismo, si no su pintura no será nada más que una ilustración. Ella menciona a Henk Helmantel, que dijo que no busca expresar sus sentimientos personales.1) En la interpretación de ella, lo que él produce no son nada más que ilustraciones, muy lejos de verdaderas obras de arte.

No hay nada en contra de sentimientos personales en el arte. Pero parece que hay un consenso que la personalidad, los sentimientos del artista, son primordiales, mientras que otras aproximaciones son excluídas o rechazadas.
Aunque no es exactamente lo mismo, me hace pensar en Giorgio Vasari, que indicó que el buen arte, aparte de imitación e imaginación, debe tener estila y maniera, un estilo artístico personal y elegante.2) De veras, un estilo propio añade algo al arte.

Van de Riet, Drawing Model and Daphne

Gezien van de Riet. Left: Drawing her model, acryl/oil on linnen, 1996, and right: Daphne, oil on canvas, 2016

Pues uno podría argüir que mi desarrollo hasta ahora simplemente ha tomado la dirección equivocada. Unos veinte años atrás pinté La pintora y su modelo, vea la imagen a la izquierda. A la derecha una obra reciente, Dafne. Ha movido de un toque suelto, colorido libre e imaginación libre hacia un naturalismo.
Y el naturalismo está enfocado menos en el estilo y el toque personal.
Sí, en mis años de principiante a menudo tenía un toque personal. Esas obras nunca serán llamadas copias o fotos. ¿Por qué cielos opté por una manera más naturalista de pintar? ¡Sólo me he complicado las cosas!
El chiste era: no era mi culpa. Más y más yo quería celebrar la belleza que había observado, para apropiarme de ella.

Los antiguos griegos

¿Podría ser que la historia del arte había testimoniado discusiones anteriores sobre esta cuestión? Empezé una búsqueda.
Los antiguos griegos tenían una gran apreciación para el detalle naturalista. Los pájaros debían confundir las uvas pintadas por reales, tratando de picotearlas. Una anécdota sobre Apeles demuestra claramente su admiración para la imitación. El caballo que él pintó era tan natural, que el caballo de Alejandro Magno empezó a relinchar al verlo.

Los griegos tenían opiniones claras sobre la imaginación. El artista debía tener en mente la Idea platónica, la forma perfecta, la belleza supernatural del objeto que quería representar. Esto no se lograba de manera automática, porque los modelos sólo eran simples mortales. Hasta el cuerpo humano más bello podía tener tobillos gordos. Pues en este caso ¡tomarías los tobillos de otro! Idealizando de esta manera, el artista trascendería la mera imitación.
Aquí las tenemos: la imitación y la imaginación…

Aphrodite and Alexander as Hunter.jpg

After Praxiteles. Aphrodite, and After Lysippus. Alexander as hunter, both 4th century BC

Pero de repente tuve un sobresalto. Leí sobre el escultor Lisipo, que trabajó en la corte de Alejandro Magno. Él quería transferir lo que veía de una manera naturalista. No al seguir las reglas corrientes para la belleza perfecta, formuladas por los antiguos maestros, sino su propia observación.
No se sabe mucho con certeza sobre Lisipo. Pero la escultura atribuída a él, Alejandro cazador, demuestra claramente un realismo naturalista. Quienquiera que lo hizo, el artista era capaz de imitación avanzada.
Me gustó este Lisipo.

1) Roodnat, Joyce. “Met drift geschilderde ‘kleine onderwerpen’ “. NRC, 2018-02-28.
2) Vasari, Giorgio. Lives of the Artists. Volume 1. Introduction by George Bull. London, 1987. p. 19-20.
Imitación e Imaginación continuará en los próximos blogs.

Galería Artelibre “20 años, en 20×20”

Galería Artelibre

Galería Artelibre

La galería Artelbire me invitó a participar en su galería virtual, en la categoría de Grandes Autores. Esta galería, basada en España, tiene artistas en su sitio como Anders Zorn, Natalie Holland, David Kassan.

Galería Artelibre Artistas del mes

Galería Artelibre Artistas del mes

Desde ya más de veinte años quiere promover el realismo a nivel internacional y ¡esto me ha robado el corazón! Una exposición especial celebrará su vigésimo aniversario: “20 años, en 20×20” (todas las obras serán del tamaño de 20x20cm). La exposición viajará por toda España y visitará también el MEAM, Museo Europeo de Arte Moderno, en Barcelona. ¡Mi obra será parte de ella!

Link: http://artelibre.net/autor/27050

Calendario, agenda, tarjetas

La editora de arte Bekking&Blitz ha publicado agendas y calendarios de arte para el año 2019. Una de mis obras figura ahí entre otros artistas como Sorolla, Sargent, Kenne Grégoire.

Kunst weekalender en aganda's Bekking&Blitz

Kunst weekalender en aganda’s Bekking&Blitz

En Brujas, Bélgica, ví una tarjeta de una de mis pinturas en el Museo Groeningen. Me dijeron que era prohibido sacar una foto de ello. Expliqué que se trataba de una obra mía, pero en vano. Sin embargo, desobedecí y el empleado amablemente pretendió no verlo…
En el Drents Museum en Assen, Holanda, también tenían mis tarjetas en venta, y también mi libro. ¡Un lindo estímulo! Es una ayuda para lo que en marketing se llama brand awareness. Cosas pequeñas, pero…

Groeninge en Drents Museum cards and book Gezien van de Riet

Groeninge en Drents Museum cards and book

Traducción por Jeroen Strengers

Movimiento de arte, TRAC2018, en Holanda

TRAC2018, The Representational Art Conference en Holanda
Gezien van de Riet. Con un artículo de Lorena Kloosterboer

TRAC2018,  The Representational Art Conference, un movimiento de arte, se celebró en Holanda, y fue por primera vez en Europa!
Parte del evento era la exposición ‘Classical Art’, Zaailand, Frisian Gallery, Leeuwarden, del 1o de mayo al 24 de junio. Mi cuadro ‘Dunas en la nieve’ está ahí también.

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Dunes with snow, alkyd and oil on panel, 150x100cm. Gezien van de Riet

Algunas impresiones de TRAC2018

Classical-Art-TRAC2018,The Representational Art Conference

Classical Art Exhibition, Gezien van de Riet, Ernst van de Wetering. Max Ginsburg lecturing. Allessandra Marrucchi, selected in Classical Art Competition

TRAC2018,The Representational Art Conference-Helmantel-demo-interpreter-Jeroen-Strengers. Henk Helmantel's demo

Henk Helmantel’s demo with interpreter Jeroen Strengers.

TRAC2018,The Representational Art Conference 2

Joke Frima, Lorena Kloosterboer, Gezien van de Riet, Gerard Huysman. After Esther Leuvenink’s tempera lesson.

TRAC2018,The Representational Art Conference Wagner-lecture-David-Molesky-lecture

Corinna Wagner’s lecture. David Molesky’s lecture

Ernst van de Wetering y yo presentamos una conferencia conjunta. Ernst van de Wetering habló sobre la cuestión de cómo juzgar la calidad de obras de arte, comparando pinturas de Rembrandt con otras de sus alumnos sobre el mismo tema.
Mi próximo Blog tratará de mi conferencia ‘Imitación e Imaginación’

Lo que sigue es un relato de TRAC2018,  A movement is sweeping the art world, por Lorena Kloosterboer para Poets and Artists: https://www.poetsandartists.com/magazine/2018/5/11/kloosterboer-on-trac-2018
En este blog se puede leer lo, traducido por Jeroen Strengers en holandés y en español.

Kloosterboer on TRAC2018 https://www.poetsandartists.com/magazine/2018/5/11/kloosterboer-on-trac-2018

Un movimiento está arrollando el mundo del arte
Lorena Kloosterboer

The Representational Art Conference 2018 –TRAC 2018; la Conferencia del Arte Representacional 2018– se celebró del 1o al 4 de mayo en la ciudad de Leeuwarden, en los Países Bajos. El lema de TRAC ‘Un movimiento está arrollando el mundo del arte’ da la bienvenida al diálogo de ideas excitantes y nuevos desarrollos en el arte realista del siglo 21. El término general ‘representational art’ (arte representacional, figurativo o realista) es definido por TRAC como incluyendo una amplia variedad de trabajo basado en habilidades en un ancho gama de técnicas basadas en expresiones reconocibles de la realidad, que –a pesar de haber sido declarado muerto e irrelevante por la ‘policía del arte’– obviamente está experimentando un renacimiento lento pero seguro. TRAC es uno entre varios movimientos e instituciones importantes que actualmente está abordando la falta de apreciación crítica respecto al arte realista y promoviendo su calidad, significado y estándares académicos mediante eventos no-doctrinarios.

Michael-Pearce TRAC2018,The Representational Art Conference

Michael Pearce giving his lecture

Artistas, académicos, escritores, educadores, conferenciantes, historiadores, filósofos, críticos, profesionales de museos y galerías y coleccionistas de todo el mundo se juntaron para asistir a paneles de discusión, discursos, presentaciones de papeles, exhibiciones y demostraciones. Se daba especial importancia al intercambio de ideas respecto a la evaluación de la calidad artística con énfasis en el valor y el alcance de la educación del arte basada en habilidades. Escuelas de bellas artes de todo el mundo fueron invitadas con miras a reunirlas en una liga internacional. Uno de los muchos temas de interés planteados en TRAC era aquel respecto al papel del artista realista en el siglo 21 y cómo el arte basado en habilidades debería progresar para reclamar su relevancia en esta nueva era.

Teniendo lugar mayormente dentro de las facilidades de conferencia del WTC Leeuwarden, las actividades frecuentemente se superponían en el tiempo, lo cual significaba que los participantes debían escoger cuál de los temas más los apelaron – en varias ocasiones me sentí dividida entre eventos diferentes, deseando que podía estar en dos lugares a la vez. El calendario ofrecía un tesoro en temas fascinantes presentados por locutores prominentes, filósofos distinguidos y artistas de fama mundial – es una rareza encontrar tantas personas excepcionalmente eruditas en un solo lugar y se sentía como un regalo poder abordarlas y socializar con ellas.

Felizmente el tiempo holandés colaboró en no llover para variar, ya que no todas las actividades se realizaron en el interior. Hubo también salidas, como una excursión divertida por los canales de Leeuwarden en barcazas que nos llevaron para asistir a la inauguración de la Exhibición de Arte Clásica en la Frisian Gallery Zaailand, inaugurada por Peter Trippi, muy cerca al Fries Museum donde se celebra una exhibición de M.C. Escher. En la última jornada de la conferencia también visitamos tres museos, pero hablaremos más de ello después.

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TRAC por los canales de Leeuwarden en barcazas

Como resultado de esta experiencia conmovedora me sentí inspirada de escribr sobre ella – para revivirla de cierto modo. La cosa es que va ser imposible hacer justicia dentro de este espacio limitado para describir adecuadamente estas cuatro jornadas espléndidas, así que me he resignado a escribir una versión resumida con la esperanza que va inspirar a l@s lectores a asistir a la siguiente TRAC. Debo dar las gracias muy especiales a Annelies Meester para su arduo trabajo y amable hospitalidad durante la conferencia. Pido perdón a l@s que descuido de mencionar por nombre, pero que sí contribuyeron a esta conferencia con su trabajo arduo, sus aportes inteligentes, sus diálogos poderosos, su arte bellísimo y su compañerismo caluroso.

Desde el momento que llegué había una emoción palpable en el atmósfera, en parte probablemente por el hecho de que esta conferencia era un refugio seguro para artistas realistas que podrían enfocarse totalmente en los asuntos importantes del día en vez de tener que defender sus preferencias estilísticas. TRAC2018 creó un sentimiento de comunidad, identificación e inclusión, lo cual es importante no sólo emocionalmente sino también altamente energizante para artistas realistas como yo que pasamos la mayor parte de nuestro tiempo detrás de puertas cerradas.

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Tom Hageman, Michael Pearce, and Peter Trippi in front of Joke Frima’s painting – photo © Xandra Donders

Como era de esperar dentro de la dinámica de grupos, había choques de egos y, más importante, colisiones entre ideas contrastantes que a su vez inflamaron intensos debates que hacían tanto más estimulante y provocadora la participación. Obviamente, no habría necesidad de reunirse si todo el mundo estaría de acuerdo sobre todo desde un principio. Generalmente había una gran apertura y una voluntad de entenderse y meter en acción nuevas ideas. Para mí, esto es de lo que se trata en TRAC. Pero no tomes mi palabra – dejaré hablar a otr@s sobre sus experiencias de TRAC2018.

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Virgil Elliot and Joseph Bravo, with Michael Pearce and Odd Nerdrum in the background

Michael Pearce, cofundador de TRAC y fuerza motriz apasionada detrás de este movimiento me dijo: “TRAC es fantástica – es dónde encontrarás otra gente que entiende porqué estás tan emocionado sobre transformar pintura y arcilla en bellas formas. Es una comunidad. Es desafiante, emocionante y maravillosa. Me encanta encontrar gente nueva que aporta ideas nuevas a la conversación sobre cómo el arte realista está cambiando la cultura del siglo 21.” Pearce está especialmente satisfecho con los resultados del evento de este año, indicando: “Había un verdadero poder en la conferencia–un sentido mágico de transformación. Hemos doblado una esquina. Hay un nuevo sentido de libertad despertando en nuestra producción de arte.”

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Michael Pearce

Corinna Wagner, Associate Professor de Literatura y Cultura Visual de la Universidad de Exeter, como también fotógrafa, dio una fascinante conferencia magistral titulada ‘El Ojo Anatómico: Realismo y el Cuerpo en la Cultura Visual’, acompañada por una hipnotizante presentación de diapositivas. Wagner describió su experiencia de manera entusiasta, diciendo: “He asistido a muchas, muchas conferencias, simposios y encuentros, y nunca encontré tal sentido de comunidad y colegialidad como en TRAC2018. Lo maravilloso es que todo el mundo comparte un amor al arte realista, pero hay mucho debate y un sano descuerdo sobre todo lo demás, incluyendo lo que significa eso. Discutimos sobre las diferencias entre el arte figurativo y el arte moderno (y/o postmoderno), y las filosofías detrás de ellos. Discrepamos también sobre las historias y las nuevas direcciones del realismo. Pero esos debates eran maravillosamente excitantes y vivos y también llenos de risas y negociaciones.”

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Tom Hageman and Odd Nerdrum – photo © Xandra Donders

El renombrado filósofo Stephen Hicks dio una conferencia magistral  en la cual disertó sobre el lenguaje negativo de autores postmodernos. Respecto a su experiencia en TRAC dijo: “Encontré especialmente gratificante mi interacción con artistas filosóficos como Odd Nerdrum y Michael Pearce y los demás que se juntaron con nosostros en discusiones improvisadas de mesas redondas – y, por supuesto, las discusiones amistosas con unos tragos a altas horas de la noche.”

El artista Virgil Elliott dijo: “Yo estaba muy contento de ser parte de TRAC2018 y de tener dos de mis cuadros recibidos ahí y luego en la Frisian Gallery. Mi conferencia sobre Vermeer fue bien visitada y aparentemente bien recibida, a pesar de de ser pronuniciada cuando yo aún sufría de jet lag. Ahora tengo muchos nuevos amigos en Holanda y otros países como resultado de este evento muy bien planeado. Me quito el sombrero en apreciación a los organizadores, Tom Hageman, Peter Trippi, Annelies Meester, Michael Pearce y a la Universidad Luterana de California por haber proporcionado la financiación. ¡Gracias a todos ustedes por una experiencia maravilosa!”

Elvira Dik TRAC2018,The Representational Art Conference

Elvira Dik during her presentation – photo © Xandra Donders

La artista Erica Hyatt dijo: “Me llamó la atención como ciertas charlas me han obligado realmente de repensar nuestras responsabilidades como artistas realistas en un contexto cultural y social mucho más amplio. Me ha sorprendido el nivel académico de la conferencia y encontré que la mezcla de académicos y artistas creó una especie de incubadora para inspiración y aprendizaje. Estos pocos días junto con artistas y académicos de todo el mundo han actuado como una catalizadora; me han expuesto a ideas nuevas que me hacen pensar sobre mi propio trabajo de arte en un sentido societal mucho más ancho. Para no mencionar que tuve el mejor tiempo posible, reconectando con viejos amigos, encontrando en persona a gente que conocí sólo por correspondencia, y estableciendo nuevas amistades. He sido desengañada de nociones viejas; perdí el respeto para uno de mis héroes, pero encontré reemplazos más reales y sustantivos.”

El curador y consultor de bellas artes Joseph Bravo tiene como la ocupación de su vida el compartir el valor intrínseco y el poder iluminador de las bellas artes. Después de quemar las pestañas con él, comprometido en una conversación estimulante y esclarecedora sobre política mundial y el sentido de la vida como artista, me dijo: “TRAC siempre presenta oportunidades para artistas de compartir ideas, aprender técnicas nuevas o enfoques a sus propias prácticas y para encontrar nuevos amigos para la vida. Esta conferencia en Leeuwarden, Países Bajos, no era la excepción. Como siempre, me encontré con alguna gente extraordinariamente talentosa y brillante, establecí contactos profesionales importantes y empecé algunos proyectos excitantes que darán fruto en en los próximos años. TRAC provee a sus participantes la confianza y el compañerismo para realizar sus objetivos en sus carreras artísticas y lograr su potencial creativo.”

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Virgil Elliott next to his painting – photo © Xandra Donders

Elina Cerla, una artista joven quien estudió filosofía y teoría cultural y quien nos impresionó con sus puntos de vista bien articulados, dio una conferencia sobre la construcción del lenguaje figurativo através de la forma, el contenido y el proceso. Ella describió su experiencia como: “La semana de TRAC ha sido una experiencia tan positiva, afirmativa y rica. Sentí como me encontré en un espacio para ideas relacionadas a la pintura donde de repente mis pasiones como pintora e investigadora coincidían perfectamente–me sentí en casa. No soy una pintora representacional en el sentido estricto a menudo asociado con el realismo, así que tiendo a vivir entre dos mundos. Pero en TRAC sentí que todo el mundo estaba críticamente comprometido, o bien con su trabajo, o bien con las ideas que fundamentan la pintura, y muchas veces con las dos cosas. Fue maravilloso ser rodeada por un grupo tan numeroso de pintores apasionados y expertos. No es en absoluto un clan, sino una comunidad, una que está abierta a cuestionar los límites y a una constante redefinición. Para mí, eso es la esencia de la pintura como manifestación de la existencia humana. Llegué a casa con un sentido de energía renovada y un deseo de retornar a mis pinceles, pero nunca muy lejos de la seducción de los libros. Fue genial de poder presentar mi documento dentro de de este contexto y espero que mi aproximación a la pintura puede haber generado algunas discusiones nuevas a ser desarrolladas y continuadas en el futuro.”

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Conor Walton portraying Joseph Bravo – photo credit © Xandra Donders

El artista Conor Walton, cuyo cuadro La Llave ganó recientemente el Primer Premio en la prestigiosa competencia ModPortrait en España, y que será incluído en la colección permanente del Museu Europeu d’Art Modern (MEAM) en Barcelona, ofreció una demostración ‘en vivo’, dibujando un retrato de Joseph Bravo en dos sesiones. Después, Walton me contó: “Está sucediendo una conversación única en TRAC sobre la naturaleza y el futuro del arte figurativo contemporáneo. Guiada por el espíritu generoso de su fundador, Michael Pearce, está maravillosamente abierta a diferentes puntos de vista: todas las voces son bienvenidas y todo el mundo es escuchado. ¡Y hay tanta pasión! Compartiendo la compañía de personas que se preocupan tanto por lo que hacen crea un entusiasmo contagioso. Pienso que todos nos marchamos sintiéndonos estimulados, recargados, y habiendo forjado amistades que duran toda la vida.”

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Peter Trippi – photo credit © Xandra Donders

Peter Trippi, editor en jefe de la revista Fine Art Connoisseur, participante dinámico en las conversaciones y discusiones, y una persona llena de energía e ideas para proyectos futuros, me dijo: “Por más útiles que Facebook y demás medios sociales puedan ser, no hay nada mejor que reunirse bajo un solo techo para que un gran grupo de colegas se sienta realmente juntos. Me marché de Leeuwarden sintiéndome estimulado y conectado con espíritus afines que he conocido por años y otros recién encontrados, igual que después de las dos ediciones previas de TRAC. ¡Ya tengo muchas ganas para la siguiente ocasión!”

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Rainy Day Lotus by Joke Frima

La artista Joke Frima, quien ganó el tercer premio con su bello cuadro Rainy Day Lotus en la exhibición de TRAC, ofreció una conferencia apasionada sobre la vida y las enseñanzas de Nerina Simi, con la cual estudió en Florencia. Ella dijo: “TRAC2018 ha sido una experiencia abrumadora. Un gran número de conferencias e ideas fue lanzado sobre nosotros; sobre influencias políticas en el arte, Dewy, Roosevelt, Hitler y Stalin. Sorprendentemente, Nixon ha sido uno de los mayores promotores del arte moderno, inyectando cantidades enormas de dinero en el modernismo. Kant y Hegel fueron mencionados frecuentemente. Discusiones sobre la verdad en la belleza, la falta de teoría para el realismo, el arte conceptual de Duchamp, la inteligencia artificial, el llamado estanque de cocodrilos creado por la policía del arte… Fue vertiginoso y muy inspirador. Ahora regreso alegremente al silencio de mi taller.”

Tanto Frima como yo fuimos impresionadas por la disertación elocuente ofrecida por Mandy Theis Hallenius sobre sus esfuerzos proactivos para apoyar y diseminar la enseñanza artística basada en habilidades para las nuevas generaciones, y por el poderoso tratado de Jennifer Sendall sobre cómo fortalecer el caso por el arte realista como instrumento para construir una sociedad más creativa, ecológica y mutuamente beneficiosa.

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Panel discussion with Michael Pearce, Jorge Egea, Peter Trippi, Virgil Elliott y José Manuel Infiesta – photo © Lorena Kloosterboer

José Manuel Infiesta, Director del Museu Europeu d’Art Modern (MEAM) en Barcelona, participó en un panel de discusión interesante junto con Michael Pearce, Jorge Egea, Peter Trippi, y Virgil Elliott. Hablaron sobre la evaluación del arte, valores y criterios de calidad, la crítica del arte, la promoción y maneras de restablecer el respeto público para el arte basado en habilidades. Infiesta es un partidario influyente de los artistas figurativos, distinguiendo su museo de todos los demás por coleccionar exclusivamente obras figurativas de artistas realistas vivos.

En cuanto a la conferencia dijo: “TRAC intenta de algún modo a dar una base teórica, o más consistencia intelectual, a la tendencia ascendiente en el mundo del arte contemporáneo de recuperar la tradición, de descartar los estragos generados por la abstracción del siglo 20, para reconquistar un modelo figurativo para la expresión artística. Así, junto con varios talleres por artistas establecidos, como Conor Walton, asistimos a charlas altamente interesantes por pintores como Odd Nerdrum. También debatimos sobre la dirección del arte figurativo del siglo 21. Fue sin duda una oportunidad excitante para comparar puntos de vista, encontrar nuevos, y pensar en avenidas futuras.” Infiesta añadió: “Y, finalmente, es necesario notar el contraste altamente interesante en puntos de vista y sensibilidades entre americanos y europeos – dos continentes con niveles de educación y cultura similares pero con tradiciones artísticas suficientemente diferenciadas como para generar sensitividades completamente únicas, lo cual a su vez provoca perspectivas muy diferentes sobre el futuro del arte contemporáneo.”

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Jorge Egea – photo © Lorena Kloosterboer

Jorge Egea, escultor e investigador, presentó un papel sobre el Museu Europeu d’Art Modern (MEAM) . Habiendo previamente atendido TRAC2015 en Ventura, California, conoce la importancia de reunirse y intercambiar ideas con colegas artistas cara a cara, más allá de los medios sociales. Él comentó: “El movimiento iniciado por Michael Pearce y la reunión de artistas, académicos, curadores y críticos del arte ha llegado a llenar un vacío para el arte figurativo contemporáneo. TRAC es un espacio donde podemos reflexionar y crear nuevas teorías basadas en el trabajo de artistas figurativos del siglo 21. Aquí teorizamos sobre la producción de arte figurativo y formulamos ideas filosófico-estéticas que sostienen el sentido de la representación. Esto nos permite de ver diferentes perspectivas o enfoques a un fenómeno común para todos los participantes.”

Con entusiasmo añadió: “Si el primer éxito de TRAC es abordar el ancho campo del arte figurativo, su segundo éxito es la gran conexión establecida entre los participantes através de redes sociales, creando una comunidad. Mi experiencia en TRAC2018 ha sido muy positiva, ya que me ha permitido fortalecer lazos personales con alguna gente que encontré hace tres años y encontrar gente nueva trabajando en el mismo campo aquí en Europa. La importancia está en el conocimiento tangible através del cual surgen nuevos proyectos, nuevas colaboraciones, y nuevas ideas para futuras ediciones de TRAC.”

Odd Nerdrum pointing at the art police, "the crocodiles that prevent to swim freely in the art-pond"

Odd Nerdrum pointing at the art police, “the crocodiles that prevent to swim freely in the art-pond” . Photo Joke Frima

Quiero centrar la atención a la artista Gezien van de Riet quien amablemente me invitó a asistir a TRAC2018 y cuya sonrisa pronta y mente rápida iluminan cualquier espacio. Después de asistir a dos conferencias previas de TRAC y viendo el significado de un movimiento internacional reforzando y enriqueciendo el arte clásico contemporáneo, Van de Riet presentó la idea de tener una conferencia así en Europa a Tom Hageman, artista y fundador de la Academia Clásica de Bellas Artes en Groningen. Ellos fueron instrumentales en llevar TRAC a la ciudad de Leeuwarden, Capital Cultural Europea de 2018.

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Tom Hageman and Max Ginsburg – photo © Xandra Donders

La pasión de Hageman está en el resurgimiento mundial de la educación del arte clásico, figurativo y basado en habilidades. Declara: “El objetivo final es la formación de una Liga Internacional de Escuelas de Bellas Artes (International League of Fine Art Schools; ILFAS), empezando como una plataforma digital, para promover la educación artística basada en habilidades através de escuelas de verano, clases maestras y cursos de postgrado. Colaboraremos estrechamente con la Da Vinci Initiative norteamericana, que opera exitosamente en colegios en todos los Estados Unidos.”

Gezien van de Riet presentó una conferencia magistral conjunta con el artista, autor y la autoridad mundial más destacada sobre Rembrandt, Ernst van de Wetering. En su presentación, Van de Riet apasionadamente contestó la noción persistente de que el realismo naturalista no es nada más que imitación sin imaginación, después de lo cual Van de Wetering apuntaló dicha tesis presentando a Rembrandt como un artista racional que tomó decisiones claras respecto a sus métodos de pintar, su estilo, y su uso de claro y oscuro.

Gezien-van-de-Riet

Gezien van de Riet

Interrogando a Van de Riet sobre sus experiencia de TRAC2018, ella dijo: “Se crea exquisito arte figurativo en todo el mundo, pero generalmente no recibe la atención y el respeto de los medios ni de las instituciones del arte – esto tiene que cambiar. Como una de las plataformas internacionales para artistas y amantes del arte, TRAC está comprometida a realizar el cambio. Es una plataforma donde intercambiamos pensamientos e ideas sobre, por ejemplo, como conectarnos con las jóvenes generaciones, la utilidad de criticar el establecimiento artístico, el fortalecimiento y la promoción del arte realista, y encontrar un balance respecto a todos estos temas importantes.”

Ella continúa con entusiasmo: “TRAC es una plataforma inspiradora donde los mejores artistas ofrecen demostraciones, donde surge la cooperación, se intercambian experiencias y se establecen amistades. Y todo eso con un grato entusiasmo. Cada TRAC tiene un efecto de bola de nieve. A veces se necesita una sola persona para empujar una nueva idea en acciones concretas para hacer comenzar a rodar la bola. Estoy tan feliz y orgullosa que este año TRAC se ha realizado en los Países Bajos! TRAC – ¡por primera vez en Europa!”

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Exhibition banner at the Drents Museum – photo © Lorena Kloosterboer

Empezamos la última jornada de TRAC con una fascinante conferencia magistral por Joseph Bravo, que se transformó en una discusión de grupo activa y apasionada gracias a su talento para incluir a los demás en la conversación. Desafortunadamente, la discusión tenía que terminar después de una hora, porque teníamos que tomar el autobús para una visita a tres exhibiciones de museo. Visitamos la exhibicion El Romanticismo del Norte en el Groninger Museum, y luego fuimos a ver el American Dream, el ‘Sueño Americano’ –una vista deliciosa del realismo y fotorrealismo norteamericano para la cual Peter Trippi había sido asesor a los curadores– conjuntamente realizada por el Drents Museum en Assen (Países Bajos) y el Kunsthalle Emden (Alemania).

Esa noche TRAC2018 finalizó con una cena concluyente auspiciada por el Municipio de Leeuwarden en el WTC Hotel, donde las mesas llenas de participantes animados  compartieron sus pensamientos e impresiones de cuatro jornadas maravillosas, intercambiando abrazos y direcciones, y prometiendo de mantener el contacto. La cena fue brevemente interrumpida observando dos minutos de silencio, lo cual se hace anualmente el 4 de mayo, Día de la Memoria de los Muertos, en honor a nuestras víctimas de la guerra.

TRAC2018,The Representational Art Conference friendships

Evening socials – from left to right: Wendy Child, Jorge Egea, Patty Chehade, José Manuel Infiesta, Lorena Kloosterboer, Jennifer Sendall, Corinna Wagner, Michael Pearce, and Lori A. Escalera – photo © L.A. Escalera

TRAC2018 en una palabra
Amistades reales para toda la vida, proyectos planeados, ideas intercambiadas, mentes alimentadas, cerebros ejercidos, baterías mentales y creativas recargadas – realmente ha sido una experiencia significante, energizante e inspiradora. Insto fuertemente a tod@s l@s artistas de asistir a la próxima TRAC – cuándo y dónde sea en el futuro. ¡Nos vemos ahí!

Find TRAC2018 on Facebook
Please contact me if I used your photograph without crediting you.

Por Lorena Kloosterboer, realist artist & author © Antwerp, May 2018

Traducción de inglés en español por Jeroen Strengers

 

Historia del arte: un nuevo capítulo

Por Gezien van de Riet
Con una contribución de Joke Frima sobre la Da Vinci Initiative

FACE-TRAC 2017
FACE: Figurative Art Convention and Expo (Convención y Exposición del Arte Figurativo), junto con TRAC: The Representational Art Conference (La Conferencia del Arte Representacional), Miami, 8 a 11 de noviembre de 2017

FACE TRAC MIAMI

FACE TRAC 2017 opening

Un continuo, mi sueño
¡Un movimiento! La tradición clásica en un molde moderno, énfasis en profesionalismo, refelexionar sobre lo que produces –contenido y forma–, sobre tu contribución a la cultura.
Fortalecerse juntos. Fundarse en la historia del arte oficial. Eso era mi sueño, ya desde el comienzo de los años 80, cuando empecé seriamenete a dibujar y pintar.
Ya desde la Antigüedad griega, la tradición clásica siempre ha conocido muchas variantes. Actualmente, una nueva variante se añade a ella. Daniel Graves, fundador de la Academia del Arte de Florencia, también habla de un continuo, en vez de una tradición. Lo que tienen en común todas estas variantes is la representación de la realidad visual. Esto requiere una gran medida de profesionalismo artesanal ; si sólo piensas de pintar el cielo o el espacio : la pintura es algo diferente… bronce no es lo mismo que carne…
La belleza, incluyendo la del tipo imponente o dramático, también forma parte de este continuo. En la aspiración no se trata sólo de la técnica, no sólo del contenido, sino de una influencia mutua de ambos elementos. Se trata del Arte con mayúscula, ¿por qúe no?

Max Ginsburg

Max Ginsburg: Bus stop

TRAC2014 en California
En 2014 divisé por primera vez que este sueño podría hacerse realidad. En Facebook ví un mensaje sobre TRAC2014 en California: The Representational Art Conference (La Conferencia del Arte Representacional), que pretendía fundamentar teóricamente la tradición clásica. ¡Ahí yo tenía ir! Palabras como ‘Renacimiento’ y ‘movimiento’ flotaban por el aire en un salón encantado con más de 300 asistentes entusiastas. Una persona a mi lado rumpió a llorar espontáneamente. ¡Finalmente una salida del aislamiento que muchos habían experimentado, finalmente una amplia apreciación por el figurativo, el realismo! Y eso a nivel internacional. Ya se lo identificó como ‘el mayor movimiento en el mundo del arte contemporáneo’. ¿Seguiría en pie?
De vuelto en Holanda traté de pasar el mensaje al mayor número posible de interesad@s. Lea más en mi blog anterior ‘TRAC2014. ¡Movimiento!’ Pensaba que sería genial de tener un TRAC también en Holanda, en Europa.

TRAC2015 en California
El mensaje resonó entre vari@s colegas. Sin embargo, los pasajes y el hotel no venían baratos. Era formidable que Tom Hageman, director de la Academia Clásica de Groningen, y la artista holandesa Joke Frima, podían participar. Yo debía exponer sobre ‘realismo fiel a la naturaleza’, pero no podía asistir por enfermedad.
Lamentablemente en 2016 resultó que TRAC no podía continuar con la misma fórmula. Un momento crítico.

Steven Assael

Steven Assael

FACE-TRAC-2017 en Miami
Pero ahora: aquí está FACE: Figurative Art Convention & Expo (Convención y Exposición del Arte Figurativo), ¡por primera vez en el mundo! El sueño de un movimiento se ha hecho realidad, dicen los fundadores. FACE se dirige a las piedras angulares del arte representacional, o figurativo, o realista, o cómo lo quieras llamar. Durante el evento podías dibujar y pintar con modelo, con la orientación de artistas de primer rango y fama internacional, que también dan demostraciones, como Max Ginsburg, Steven Assael o Daniel Gerhartz. También había oradores.
A veces yo pensaba que halucinaba. Por un lado el foco estaba en la aspiración a una calidad y visión conectadas al pasado, los grandes maestros de la tradicón clásica, un fortalecimiento de tu propia aspiración. Por otro lado había una perspectiva del futuro : cómo conectar con la joven generación que tiene un equipaje cultural muy distinto, qué significa para el arte que el hombre del futuro será cada vez más artificial, qué significa que las más recientes técnicas de reproducción hacen obsoleta el ‘arte lenta’.

Max Ginsburg and Juliette Aristides

Demo painting portrait Max Ginsburg and drawing model Juliette Aristides

Daniel Gerhartz

Demo painting portrait Daniel Gerhartz

Lo interesante es que FACE invita a TRAC de participar en evento. TRAC puede continuar su labor de una fundamentación teórica del arte representativa.
Otra vez hay más de 300 participantes, entre ell@s Joke Frima y yo representando a Holanda. Ahora podemos llamarnos ‘Miembros Fundadores’.
No sólo pintores y escultores participan en el movimiento. Sobre todo en EE.UU. se han generado todo tipo de iniciativas de amantes e historiadores del arte, para propagar y profundizar el realismo contemporáneo. Este apoyo es esencial para la continuación de la tradición clásica, para su fundamentación institucional, para la concientización de una audiencia más amplia, porque (seamos realistas) l@s artistas no siempre tenemos tiempo u oportunidad para todo ello.
A partir de esta vez, FACE será un evento anual.

Los padres fundadores: Eric Rhoads, Peter Trippi y Michael Pearce

Eric Rhoads, Peter Trippi, Michael Pearce

Eric Rhoads, Peter Trippi, Michael Pearce

Eric Rhoads with me and my book

Eric Rhoads with me and my book

Eric Rhoads, fundador de FACE, director ejecutivo de revistas de arte como Fine Art Connoisseur, PleinAir magazines, Convenciones y Exposiciones ‘Plein Air’ anuales (pintar al aire libre), y mucho más. FACE selecciona los mejores artistas que también tienen el don de animar e inspirar a otros en sus demostraciones y orientaciones. Vea también Fine Art Connoisseur de diciembre de 2017.
Peter Trippi, redactor en jefe de Fine Art Connoisseur y co-curador de la exposición de Lawrence Alma Tadema en el Fries Museum de Leeuwarden, que luego movió a Londres y Viena, y actualment de la exposición ‘The American Dream’ en el Drents Museum en Assen, y más.
En 2005 ellos iniciaron la revista Fine Art Connoisseur. En 2011 tomaron la iniciativa para un movimiento. Unos 20 artistas influyentes de fama mundial fueron invitados para una reunión reservada. Tristemente, no se podía superar el nivel de intereses individuales. El teimpo aún no era maduro. Sin embargo, la idea caló con:
Michael Pearce, pintor y catedrático de la facultad de artes de la Universidad Luterana de California. Él empezó con TRAC en 2012, junto con Michael Lynn Adams, que estaba involcurado hasta 2015.
« Antes de TRAC no había conferencias sobre arte realista o figurativa », segùn dice Michael Pearce. « Esto es estraño, porque había y hay una cantidad enorme de arte representativa y un extenso público interesado. Parecía un hueco grande que debía ser llenado. »

Temas de TRAC
De los muchos temas tratados por TRAC menciono aquí : el posmodernismo y la tradición clásica contemporánea; la importancia de la belleza; la neuro-estética; la conección con la juventud; etnocentrismo en la crítica del arte; la educación del arte.

#FACE17

Our team had a fantastic time at the Figurative Art Convention & Expo and we can't wait until next year! Thank you to all of the faculty and attendees for making this possible. It was a memorable experience. 🙂 #FACE17

Geplaatst door Fine Art Connoisseur Magazine op Dinsdag 14 november 2017

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La Iniciativa Da Vinci: un cambio cultural de la educación del arte
Relación de la conferencia de Amanda Theis en TRAC2017
Por Joke Frima.

Amanda Theis nos cuenta con pasión sobre su trabajo en la Iniciativa Da Vinci (DA Vinci Initiative; DVI), que se dedica a una educación ‘skill-based’, o sea basada en el desarrollo de habilidades en el dibujo y la pintura. DVI compone programas educativos con el fin de compartirlos y usarlos en la educación secundaria del sistema escolar estadounidense.

Da Vinci Initiative

Da Vinci Initiative

DVI tiene un canal online en YouTube donde se han publicado 30 videos de 5 minutos.
Es de libre acceso para todos: www.davinciinitiative.org/

egg cup 1

egg cup 1

egg cup 2

egg cup 2

Amanda descubrió que la mayoría de profesores de dibujo y manualidades son de la opinión que el dibujo, si tiene que ver con el arte, no puede ser enseñado. Esta opinión casi común la encontró durante los cursos suplementarios de fin de semana y de verano, obligatorios para docentes en EE.UU.

A Bargue drawing

A Bargue drawing

La mayor crítica a la visión de DVI es que la educación dirigida a habilidades sofocaría la creatividad. Pero Amanda sostiene que las habilidades son simples instrumentos a servicio de la creatividad.

Ella cree prudente de no mencionar el modernismo durante los talleres y cursos. L@s participantes de la educación basada en habilidades pueden sacar sus propias conclusiones. Muchas personas son visualmente ‘analfabetas’ y la educación basada en habilidades les abre una nueva dimensión.

Drawing perspective from life (self made robots)

Drawing perspective from life (self made robots)

Self-portrait by Ray Wanda Totanes, 15 year old

Self-portrait by Ray Wanda Totanes, 15 year old

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ella comenta sobre los padres que se inquietan sobre el futuro de sus hijos que quieren estudiar este tipo de arte : « La educación basada en habilidades no te dará un grado académico, pero sí un empleo. » Amanda misma ha gozado de una instrucción en el taller de Juliette Aristides en Seattle. En EE.UU. un taller de este tipo no te otorga la licencia para enseñar. Esta sólo se consigue con un estudio universitario. El problema es que esas carreras de arte universitarias no ofrecen una educación basada en habilidades.
Amanda quería saber de los participantes a dónde puede remitir l@s jóvenes para obtener una buena instrucción de taller.

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TRAC2018 in Leeuwarden

TRAC2018 in Leeuwarden

TRAC2018TRAC2018 en Holanda, como primer país en Europa
Del 1o al 4 de mayo de 2018 en Leeuwarden.

www.trac2018.com

Seguir: internet y mi blog.

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Próximo blog: continuación de ‘Imitatio et Inventio’

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Traducción NL-ES : Jeroen Strengers

Imitatio et Inventio I. Y más

El cielo de los caballos

A veces todo va de por sí, a veces hay que trabajar de firme. Pintar el cielo en este cuadro, « el cielo de los caballos », fue duro. No era el fondo, el pasto y los helechos eran parte del todo.

caballos

El cielo de los caballos, distemper-oil-panel, 50x70cm

Uno de los problemas era: cuánta luz hay que dar al suelo, a las montañas, al cielo. El cuadro cambió continuamente. El único elemento constante era los caballos. Al final regresé a una de las primeras versiones. Ahora está terminado.

Imitatio et Inventio I

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Aunque hice muchos experimentos al comienzo de mi carrera artística, me sentí atraída cada vez más al realismo. En aquel tiempo el realismo fue rechazado por la visión artística oficial. Aún cuando se tenía un toque muy suelto. Yo hice un paso más, hacia un realismo afilado, fiel a la naturaleza: algo que puede llamarse naturalismo. Era dudoso si esto podría ser considerado arte – yo misma lo dudaba. Copiar solamente? Yo tenía que pensarlo. Descubrí que este asunto ya habá sido discutido por los Griegos. Esto resultó finalmente en un texto de conferencia. En mi blog lo prensentaré en partes. Aqui la primera parte.

Representación e imaginación en el realismo naturalista

Dürer-imitate-figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman

« Imitatio et Inventio », imitación e invención, son conceptos muy comunes en la historia del arte. Intentaré echar nueva luz sobre ellos basado en mi propia experiencia artística y la historia del arte.
La imitación y la invención eran indisolublemente ligados en la tradición clásica. Durante los tiempos, el contenido de la imaginación y la técnica de copiarlo o imitarlo ha asumido diferentes formas. También el peso relativo de ambos elementos ha variado continuamente.
En el arte figurativo contemporáneo – o más precisamente el realismo naturalista basado en la imagen clásica– la tensión entre « Imitatio » e « Inventio »  siempre está presente.

Gerard Huysman, Calle Utrecht, oleo-panel

Gerard Huysman, Calle en Utrecht, oleo-panel, 55x65cm

En octubre de 2014 esta imagen de una obra de Gerard Huysman fue incluído en la página «The Representational Art Group » del Facebook. El primer comentario fue de Joel Mattingly:

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. »

Añadió luego:

«No me interpretes mal: este artista tiene una tremenda habilidad! (…) … el realismo existe en la relidad y en fotos, y aunque creo que todos podemos apreciar la habilidad que se necesita para el fotorrealismo, esta obra me parece bastante aburrida. »

Aparte del hecho que este cuadro no pertenece al, este comentario toca un aspecto delicado del arte realista. La imitación, la representación naturalista, ha asumido tanto peso aquí que parece desbancar la imgainación. Yo estaría espontáneamente de acuerdo con Mattingly, si no fuera por el hecho de que –a diferencia de él– yo sí soy tocada por la belleza de este cuadro.

La próxima vez: la realidad ya está ahí y el caballo de Alejandro Magno.

Tarjetas de arte, agendas de arte, calendarios de arte

Bekking&Blitz publican tarjetas de arte para los más grandes muesos de Holanda. También publicaron un número de tarjetas de mis obras, en diseños muy atractivos.

dubbele kaarten enveloppen

Roses

Roses,
una caja de 10 tarjetas dobles con sobres.
Pintar una rosa viva puede ser muy excitante. A veces, sentada con tu caballete de campo frente a una flor, de pronto se despliega una hoja : la rosa sigue creciendo! En mi jardín cada rosa tiene carácter propio: se depliegan en formas sorprendentes, como un triángulo por ejemplo.

roos schilderen kaart

Roses

Sentada frente a esta rosa, se me ocurrió: la belleza de la rosa está en la rosa misma. Si quiero captar esa belleza, tendré que pintar esa rosa, en todos sus detalles. Realismo.
Roses: puedes enviarlas a tus amig@s. Un simpático regalo!

Museum Cards
Bekking&Blitz también publica tarjetas dobles de obras mías en su serie Museum Cards. Me hace recuerdo de otros tiempos cuando los artistas hacían copiar sus pinturas en forma de grabados, para difundir su nombre y trabajo lo más que posible.

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5 Museum Cards Bekking&Blitz

Una tarjeta, hecha de una pintura, que cubre la larga distancia del taller a la galería a la editorial a la imprenta a la tienda al correo al buzón…. por supuesto tiene mucho más gracia que un e-mail! En vez de los grabados, ahora tenemos las tarjetas.

museum postkaart kunst

5 Museum Cards Bekking&Blitz, 2

Art Agenda & Art Calendar
Para el 2018, Bekking&Blitz publicó agendas de arte –también en tamaño de cuadernillo– y calendarios de arte. Incluyen una obra mía en pastel. En 2018 seré parte del panteón de los grandes artistas de todos los tiempos… y muy orgullosa de ello!
Se venden en museos y librerías. Sabes cuánto me estás apoyando al comprar/regalar/enviar tarjetas, agendas o calendarios?

art, agenda, Gezuien van de Riet

Art Agenda, pastel van Gezien van de Riet

Concurso

Mi obra Espitau, bosque de hayas en los Pirineos llegó a las semifinales ‘Figurativas 2017 – MEAM, Museo Europeo de Arte Moderno’.

Hayedo Espitau Pirineos, pintura

Hayedo Espitau Pirineos, tempera-oleo-panel,40x60cm

Participaron 2.400 artistas de 98 países, 7 de ellos eran holandeses, yo una de ellos. No era la final, pero hurra! de todas formas.

FACE-TRAC, se mueve!

El movimiento en los EEUU conectado a la tradición clásica continúa! Se reunen en Miami, en noviembre de 2017.
Tengo la intención de estar presente y participar con entusiasmo!

Traducido por Jeroen Strengers

Sufriendo para el arte

Sufriendo para el arte
Museum Møhlmann me invitó a participar en la exposición “Vee op stapel” (“Un montón de ganado”). Fantástico! Siempre quería pintar los caballos y las vacas de los Pirineos. Se ven magníficos en aquellos paisajes. No hay basura ahí. El aire es puro, las praderas están llenas de flores y hierbas. Me encanta caminar por ahí. El ojo asume su visión artística el instante que aparecen estos animales. Me excitan las posibilidades artísticas. Voy por aquí y allá, cámara en mano, mirando a mi alrededor. Pero no mirando al suelo, donde había un hueco, sólo un pequeño hueco, pero ya me había caído.

qué haces tú aquí?

Cerca de ahí había una artesa llena de agua, donde yo sumergía mi tobillo doliente. Las vacas, curiosas, se acercaban, y yo temía un poco sus grandes cuerpos y cuernos. Se pusieron todas al otro lado de la artesa, mirándome con sus grandes ojos y pestañas, como diciendo: qué haces tú aquí?
Cómo íbamos a bajar de la montaña? Mi marido veía a alguién trotando por la cuesta. Usó el silbato de emergencia. Después de la tercera señal el hombre nos notó y nos vio agitando los brazos.
Se acercó y se presentó como oficial de la Guardia Civil. Como hombre preparado para las emergencias ofreció a acompañarnos y cargarme por los arroyos si fuera necesario. Yo me arrastró con mis bastones nórdicos, hasta el pueblo. Ahí, el médico me tranquilizó: « Si Usted caminó tanta distancia, su tobillo no puede estar fracturado.» Los rayos-X no estaban disponibles ahí. Por desgracia, de vuelta en casa, resultó que sí estaba fracturado… Lo que necesitas para caminar en las montañas, son piernas de vaca!

Potro en los Pirineos

Potro en los Pirineos
No, este potro no es un caballo de aldaba ni tampoco un caballo salvaje. Sus piernas son más cortas que de los caballos holandeses. El joven animal ya tiene músculos bien desarrollados, porque correr por las rocas y grietas requiere acrobacia. No he podido acertar la raza de este caballo. Al potro no le importará. Continuará a correr y pastear hasta ser grande y gordo. Es ganado de carne. Aquí no hay romanticismo.

Yegua con potro
Para esta imagen estaría dispuesta a sufrir dos tobillos fracturados. Bueno, el sufrimiento venía de todo modos. Originalmente, estos animales estaban en medio del verde, pero en mi imaginación los veía en medio de un azul claro o un celeste espacioso, como un paraíso caballero. Obviamente, para los caballos esto no tiene sentido, ellos prefieren el verde.
Hice todo tipo de diseño con Photoshop. El celeste podía ser el cielo, pero yo prefería una montaña. Problema: una montaña de color celeste está muy alejada: no era que mi montaña era muy alta, no había nada entre los caballos y aquella cima lejana?

Yegua con potro

Durante el proceso de pintar, el contorno de la montaña variaba continuamente. Surgían montañas, desparacían otras. Esta es una labor agradable. Más agradable que pintar las crines: es más tedioso y lento, sobre todo cuando están enredadas. Antes yo no me preocupaba tanto por los detalles, y las pnturas avanzaban más rápidamente. Pero pienso que el camino no siempre debe ser placentero, si el reslutado final da placer. Tienes que dar paso a lo irregular, lo no-esquemático. El concreto está en los detalles. Pero dónde parar? Antes de llegar a la rigidez. Pero dónde es eso?

Al revés

El contorno de la montaña: tiene que reflejar o contrastar con la forma de los caballos? Debería yo talvez incluir unas montañas nevadas en lo lejos? Pongo el cuadro al revés para observar la composición independiente de la representación. De repento veo demasiado verde y amarillo frente al celeste. Por eso meto más roca, roca blanca, usando blanco de titanio mezclado con un poco de siena quemada. Esto contrasta mejor con el celeste.

La pintura aún no está acabada…

Galerie Petit

Noticia triste
Ton Van Dijk, el dueño de Galerie Petit en Amsterdam, falleció en 2015. Su viuda Dobs le siguió a fines de 2016. La galería cierre. Acabo de recuperar las obras que ellos tenían de mí.
Cuántas buenas galerías dedicadas al arte realista quedan en Amsterdam? Se las puede contar en los dedos de una mano. Una lástima, como exclamó un historiador de arte norteamericano recientemente. Y esto en el país que en nuestros dias vio el resurgimiento del realismo.

stokpaardje

My hobbyhorse. Gezien van de Riet

Remarcable
Galerie Staphorsius, que actualmente ofrece también obras mías, recibió mucha atención en la prensa holandesa esta vez. Parte de la exposición está dedicada a Rein Stuurman, quien ilustró la primera guía de aves en Holanda. Las últimas seis semanas, el número de visitantes ha girado alrededor de cuarenta por día, el doble de lo normal.
Montando mi caballo de batalla vuelvo a decir: si los medios de comunicación darían más atención al arte realista, éste podría prosperar mucho más. Para eso hay que mejorar la educación de los periodistas y adecuar las universidades, etc. etc.

Traducción Jeroen Strengers

Art Renewal Center y mi caballo de batalla

Hurra!
El Art Renewal Center (ARC) me ha aceptado como ARC Associate Living Master™!

Este mensaje apareció en el ARC Salon Update:

Post van Art Renewal Center

Post van Art Renewal Center

El año pasado fui finalista en la competición del Art Renewal Center (vea mi blog de agosto de 2015). Después de eso fui invitada a postular al ARC. Después de ser aprobada por cuatro jurados diferentes, me abrieron mi propia galería en la página web del ARC. Mi página es:
http://www.artrenewal.org/pages/artist.php?artistid=7562

El reconocimiento del ARC significa mucho para mi. Es un gran honor ser parte de este museo virtual. Se encuentra maestros antiguos y artistas contemporáneos de punta como Jeremy Lipking, Jacob Collins, Max Ginsberg, y (activos en Holanda)  Joke Frima y Urban Larsson.

Logo ARC

Logo ARC

Tradición clásica
El ARC (Centro para la Renovación del Arte) es uno de los más grandes museos virtuales portando el estandarte de la tradición clásica. Abarca a miles de representaciones de obras de arte. Tiene una sección de ‘artistas vivos’ y una enorme colección de ‘maestros muertos’. En este caso no me importa ser promovida a esa categoría en su debido tiempo…
El ARC fue fundado en 2000 por Fred Ross e incluye también un museo físico enfocado sobre todo al arte del siglo XIX. Ross es un gran admirador de los artistas del Salón Francesa que después fueron largamente olvidados, como Alma Tadema, que actualmente tiene una exposición en el Fries Museum (Holanda).
Su objetivo es la renovación de la tradición clásica. Para eso se ha desarrollado un gran gama de actividades: competiciones, publicaciones de libros, artículos y materiales de instrucción, exposiciones, investigaciones históricas, hojas de noticias y la construcción de una red de intercambio.

Educación
El ARC da gran importancia a la educación. Mantiene una larga lista de escuelas, academias y talleres que han recibido su aprobación. Para los estudiantes de arte –provenientes ya de más de 60 países– hay competiciones anuales en que se pueden ganar becas.

Studio Incaminati

International students. (Studio Incaminati)

Juliette Aristides: Secrets

Juliette Aristides: Secrets of Classical Painting

Hay una relación con la Iniciativa Da Vinci, que publica materiales de estudio para desarrollar capacidades profesionales, dirigidos a estudiantes y profesores de arte.
Durante el siglo XX un puñado de artistas se mantuvieron leales al arte clásico. Ellos transmitieron sus conocimientos técnicos a unas decenas de seguidores. Estos a su vez iniciaron sus propios talleres y academias y actualmente están enseñando a centenares de estudiantes. Hoy día se puede hablar de un crecimiento exponencial.
Por esta opción estratégica para la educación a través de libros, videos y el internet, la tradición clásica está asegurada en lo que se refiere a la transferencia de conocimientos. Esto es por primera vez en la historia.

Red global
El ARC se proyecta globalmente y mantiene una red extensa de relaciones. Parte de ella es TRAC – The Representational Art Conference, un movimiento en favor de la tradición clásica contemporánea.

TRAC The Representational Art Conference

TRAC The Representational Art Conference

Hay una cooperación con el MEAM – Museu Europeo d’Art Modern en Barcelona (‘modern’ aquí significa figurativo, realista) y varias academias clásicas como la Academia de Arte de Florencia, que acaba de abrir una dependencia en Nueva York. Hay relaciones con revistas de arte, como Fine Art Connoisseur y Plein Air Magazine.

Fine Art Connoisseur

Fine Art Connoisseur

Winslow Homer in PleinAir Magazine

Winslow Homer in PleinAir Magazine

Davind Kassan in het MEAM

Davind Kassan in het MEAM

 

 

 

 

 

Mi caballo de batalla
Siempre abrigué el ferviente deseo de que surgiera un movimiento para arraigar indisolublemente el arte clásico contemporáneo en la sociedad, para ganar reconocimiento en todos los terrenos donde no lo tiene actualmente: en la historia del arte y la filosofía, en la educación, en los principales museos, en los medios de comunicación y en las políticas oficiales.

stokpaardje

My hobbyhorse. Gezien van de Riet

En Holanda el realismo ha probado su derecho de ciudadanía. Debería estar presente ampliamente en la historia del arte ‘oficial’ y en los museos nacionales.
Es increíble, pero un par de filósofos han tenido una influencia profunda. Como por ejemplo Lyotard, quién caracterizó el realismo y la belleza como kitsch.
El tabú sobre el realismo en la historia del arte universitaria prácticamente no ha sido quebrado aún. Si estoy equivocada por favor me avisen.
Es estraño que los medios de comunicación (casi) no han hecho caso del realismo por más de treinta años. El público casi no tiene conocimiento de las maravillosas obras de arte que han sido producidas. El público ha sido distanciado de una cultura llena de belleza. Es notable que cuando un periódico sí presta atención a una exposición en una galería, de inmediato el número de visitantes  sube considerablemente, como lo hacen también las ventas.

Olas
Es un milagro que en Holanda se ha conseguido tanto nadando contra la corriente. Han surgido más y más galerías, también una Feria del Realismo, más dos academias clásicas y un número de otras escuelas de arte, y varios museos privados. Dentro de Europa, el realismo en Holanda probablemente ha progresado más. Pero, en parte por la crisis económica, ha venido a ser más vulnerable. No está arraigado en las instituciones más importantes – entonces podría disiparse, con sólo un artista del renombre de Henk Helmantel como nota a pie de página en la historia del arte.
“Todo va y viene como olas – así es la historia”, uno puede oir a veces. Cierto, pero no es el viento el que produce las olas. Son las personas. Por eso es tan imporante que muchas personas se esfuerzan para el realismo. Por eso es tan importante que existe el ARC.

¿Quieres dar un ‘like’ a mi galería del ARC? Por favor hazlo en:
http://www.artrenewal.org/pages/artist.php?artistid=7562

Der Weg ist das Ziel

Der Weg ist das Ziel

Encuesta:
El verano pasado, en un camping en España llegó un tractor remolcando una caravana. Un agricultor alemán estaba haciendo su peregrinaje a Santiago de Compostela. Sobre su caravana había caligrafiado: « Der Weg ist das Ziel » (« El camino es el objetivo »).
¿Esta consigna se aplica también al arte? Por favor, da tu opinión!

Traducción Jeroen Strengers