Archivo de la categoría: teoría del arte

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Blog 13. Esta vez: The making of el retrato de Tessa, Art–The whole story, Galería artelibre “20 years, in 20×20”, y Noticias.

Portret van Tessa Tempera-olie

Portret van Tessa Tempera-olie-linnen 80x40cm

El retrato de Tessa – the making of 

Tenía ganas de pintar un retrato de Tessa. Me gustó su pose y su carisma, y la sillita hondureña cabía bien con eso. Pero, todo lo que intenté, no me gustaron los colores.

Gezien van de Riet First designs and paintings portrait

Gezien van de Riet First designs and paintings of Tessa’s portrait

Empecé por otro lado y encontré una foto con los colores que estaba buscando, de flores de lavanda en una montaña de los Pirineos. Usando Photoshop llené el trasfondo. De repente lo hice cubrir también el vestido. ¡Eso fue! Esbozando con Photoshop va tanto más rápido y te lleva toda clase de ideas nuevas.
No quería que la lavanda se veía como papel pintado con flores que continuaba en el vestido, algo que había visto en otra parte. Quería que se veía ‘real’, con forma en el espacio. Floreciendo, con vida. el placer de la juventud, un mundo abierto a tí. Tal como ella está parada ahí, con su sonrisa.

Gezien van de Riet designs

Gezien van de Riet More designs

¡En qué me había metido! ¡Habría que juntar dos tipos de perspectiva! Las plantas de lavanda mismas estaban alineadas en un plano horizontal. Pero yo no quería que se veía a Tessa parada en medio de las lavandas en aquella montaña. El mismo vestido con la lavanda imposbilitaba eso, porque se trataba de una superficie vertical. Toda esta idea resultó terriblemente tediosa, sin ninguna garantía a un resultado feliz. ¿Por qué, por qué, Sra. Quijote? Sólo al final sabría si habia logrado mi propósito. Y si no: ¿todas esas horas de trabjo en vano? Pero en mi fantasía la idea siempre parecía fantástica. ¡Adelante, Rocinante! Resultó ser una búsqueda que duró dos años.

Libro de arte se olvidó del realismo moderno

stokpaardje

My hobbyhorse. Gezien van de Riet

Recientemente recibí la traducción holandesa del libro “Art – The whole story” (Arte – La historia completa; editado por Stephen Farthing; primera publicación en 2010).

Ilustraciones hermosas, barras de tiempo útiles. No puedo juzgar sobre la calidad, pero el título y subtítulo prometen contar “la historia completa”, desde una “perspectiva correcta”. Inmediatamente me fui a los últimos capítulos: ¿está incluído el realismo contemporáneo? ¡No! ¿No? ¡No! Bueno, está Lucian Freud. Es mencionado bajo el lema “Pintura europea figurativa”, que según el barro de tiempo duró de 1945 hasta 1966. ¿Qué? Freud no había muerto entonces, y seguiría pintando con gusto y con realismo por muchos años más. Justo como sigue el arte figurativo (también llamado realismo) hasta hoy día.

¿Qué más?
Ah sí, se incluye el híperrealismo, fechado 1968 hasta hoy. Pero, pero, el realismo moderno es mucho más que eso. Esta omisión sólo se puede explicar por el tabú al realismo. Bueno, esto tiene remedio. Tenemos el internet, donde se puede admirar toda clase de obras de arte realistas de nuestro tiempo. Sólo algunos ejemplos:

Joke Frima Eternal Return

Joke Frima Eternal Return Oil-linen 19,6×35,4

Grietje Postma Kleurenhoutsnede

Grietje Postma Kleurenhoutsnede 2014-I 40x50cm

El historiador de arte Peter Trippi, entre otras muchas cosas curador de de la exposición sobre Lawrence Alma-Tadema en el Fries Museum y la exposición sobre John William Waterhouse en el Groninger Museum, una vez remarcó sobre un fenómeno significante y curioso. A un lado podemos observar las largas colas en las entradas de los museos que exponen obras realistas del siglo XIX. Un buen número de espectadores gustaría tener un Breitner o Mary Cassett en su casa. Bueno, pero no los podemos costearnos, ¿o sí?

Aurelio Rodriguez En busca de la memoria crayon-wood MEAM

Aurelio Rodriguez Lopez En busca de la memoria crayon-wood 50x50cm MEAM

Rob Møhlmann Droog staan olieverf-paneel

Rob Møhlmann Droog staan olieverf-paneel 40x40cm Museum Møhlmann

Ricky Mujica Proud oil-canvas

Ricky Mujica Proud oil-canvas 91,94×121,92

¡Espera!
porque al otro lado existe cualquier cantidad de obras de arte realistas contemporáneas asequibles. ¡Podemos adquirirlas a ellas! Solamente, a causa del tabú, este tipo de arte no está prominente en los medios de comunicación. El comprador o la compradora potencial no lo conoce. O es reticente, a causa del tabú.

Teresa Oaxaca The Pierrot

Teresa Oaxaca The Pierrot

Lorena Kloosterboer Tempus ad Requiem XXV

Lorena Kloosterboer Tempus ad Requiem XXV 80x40cm

Vincent Desiderio Theseus

Vincent Desiderio Theseus

Kenne Gregoire Voyeur

Kenne Gregoire Voyeur Acryl-olie-paneel 34x31cm

Sin embargo, el realismo moderno vive – hasta tal punto que es todo un movimiento en EEUU. Ya está bien establecido en Holanda. ¡Y mira España ahora! Y Japón. Y… y…

Grzgorz Gwiazda Sitting man Resin MEAM

Grzgorz Gwiazda Sitting man Resin 150x100x100cm MEAM

Golucho Retrato de insomnios MEAM

Golucho Retrato de insomnios 120x170cm MEAM

Gracias a todos los artistas que daban permiso para usar sus imagenes:
Vincent Desiderio, Joke Frima, Lorena Kloosterboer, Kenne Grégoire, Ricky Mujica, Teresa Oaxaca, Grietje Postma, Museum Møhlmann (Rob Møhlmann), MEAM (Aurelio Rodriguez Lopez, Grzgorz Gwiazda, Golucho).

Galería artelibre, “20 años, en 20×20”

20 years, in 20x20cm

20 years, in 20x20cm

Galería artelibre en Zaragoza cumple 20 años como galería de arte virtual. El fundador y director es José Enrique González. Él está promoviendo el realismo moderno a través de todo tipo de iniciativas, especialmente la famosa competencia internacional de retratos ‘Modportrait’ – en colaboración con el MEAM (Museu Europeo de Arte Moderno) en Barcelona. Escribe:

“Desde el inicio decidimos crear una de las primeras galerías virtuales que debía apoyar fuertemente el arte figurativo, realista e híperrealista.

Los tiempos eran muy poco favorables para esta corriente artística, que fue vilificada, descuidada y hasta olvidada, tanto por galeristas como instituciones oficiales.

(…) Aún si tenemos un largo camino por seguir, este es el inicio de una era imparable.”

Los “20 años”son celebrados extensamente, con obras de 20×20 cm por 165 artistas de todo el mundo. Todos encuadrados de manera uniforme, son expuestos en espacios hermosos, brillando como estrellas en el cielo.

A ver en Zaragoza en el hermoso Palacio Bantierra, del 7 de marzo al 5 de abril.
En Barcelona en el famoso MEAM,
del 9 de julio al 1o de septiembre.

Gezien van de Riet Our Gingko in Autumn Tempera-oil-panel

Gezien van de Riet Our Gingko in Autumn Tempera-oil-panel 20x20cm

Estoy feliz y orgullosa de haber sido incluída con mi obra “Nuestro gingko en otoño”.
Y de ser parte de Galería Artelibre, bajo el lema “Grandes Autores”. https://www.artelibre.net/

Noticias

Kunstzaal Van Heijningen
Esta galería de arte en La Haya ha creado una plataforma virtual de arte, donde también se puede encontrar mis obras.

Art Gallery Clatia
Fui invitada de participar en esta plataforma virtual de arte de la China. Incluye artistas de renombre internacional, tiene muy buen aspecto. Mi página web estará on-line dentro de poco.

Bolivia
Fui invitada por la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia para exponer en el Museo Nacional de Arte en La Paz, Bolivia, y en el Centro de la Cultura Plurinacional en Santa Cruz, Bolivia. ¡Un gran honor!

Gezien van de Riet Watercolor

Gezien van de Riet Watercolor for video

Estoy encantada, porque Bolivia es mi gran amor, donde trabajé por muchos años con mucho empeño como socióloga, especialmente en el desarrollo de material educativo, y donde tuve la oportunidad de  estudiar en la Escuela de Bellas Artes, una academia clásica en La Paz.

Traducción NL-ES: Jeroen Strengers


 

Imitation and Imagination. Hidden distortions. Naturalism in art history

Noticias: Visita a Galería Artelibre, despues de Imitación y Imaginación


Imitación e Imaginación 4

Dürer-imitate-figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman

Previamente

Esto es la última parte de la conferencia que dí en mayo de 2018, Imitación e Imaginación, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda. Mi conferencia trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación en el arte clásico, incluído la variante contemporánea. El naturalismo es una de las muchas expresiones del arte representacional, una con un alto grado de imitación. Vea por ejemplo un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. »

Esto es una opinión que se oye frecuentemente. Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¡Exactamente! No hay alma, no hay creatividad artística. Y de esto se trata en esta discusión.
Contestaré la opinión que el naturalismo carece de imaginación.

 

Parte 1 de la conferencia está en el blog de agosto 2017, vea Archivo.
Parte 2 en el blog de agosto 2018, vea Archivo.
Parte 3 en el blog de octubre 2018, vea Archivo.
Parte 4, última parte, es la que sigue.

El realismo del siglo diecinueve

Dos siglos después del Siglo de Oro Holandes, en 1855, el cuadro Los quebrantadores de piedras de Courbet fue rechazada por el Salón de París. Esto nos suena familiar.
Courbet luego alquiló una barraca de madera, la bautizó con el nombre Pavillon du Réalisme (Pabellón del Realismo) y ahí mostró sus obras durante la Exhibición Mundial de París. Courbet luego escribió su Manfiesto Realista. Acuñó el término realismo, fiel a la realidad, en forma y contenido.

Courbet The Stone Breakers realism

Gustave Courbet. The Stone Breakers, oil on canvas, 1849, 160x259cm

“Mitos no”, dijo Courbet. “¿Ángeles? No los he visto nunca.” Mira la realidad cotidiana, la gente ordinaria. No hay necesidad de fabriaciones. Courbet no era dogmático, a veces inventaba cosas. Pero sin duda alguna abrió una brecha en la tradición clásica donde la ‘Invención’ era idéntica a sujetos elevados e idealizados. Donde la holandeses aún observaban lo divino en la naturaleza, Courbet suprimió la dimensión metafísica.

A finales del siglo diecinueve había toda suerte de realismos; piensa en Lepage, Bougueraux, Sargent, Waterhouse, Alma Tadema, Zorn, Repin. Eran famosos en su día, pero después olvidados por la mayor parte. Pero el realismo puede ser ‘fantástico’ y de ninguna manera inferior al impresionismo contemporáneo tan apreciado. Vea Frederic Edwin Church (1826-1900) de los Estados Unidos.

Church. Twilight,

Frederic Edwin Church. Twilight, ‘Short Arbiter ‘Twixt Day and Night’, oil on canvas, 1850, 81,3×121,9cm.

O el ruso Iván Shishkin (1832-1898), un pintor eminentemente naturalista. Su Invierno es abrumador por su grandeza y realidad. Matices de color y tono extremadamente refinadas en la nieve. Una riqueza de detalles en la corteza de los abedules. De esta manera Shishkin aumentaba el grado de realidad en su cuadro.

Shishkin. Winter

Ivan Shishkin. Winter, oil on canvas, 1890, 125,5x204cm.

Algunos colegas le llamaron ‘contador de hojas’.12 Incluso hoy en día muchos docentes tienen aversión a pintar demasiados detalles, por razones comprensibles. Pero ejecutados de manera adecuada, uno puede comparar los detalles a una música en que cada nota es tocada claramente sin perder la melodía, donde la variación en la repetición sólo enriquece. La grandeza no excluye la atención al detalle.

Y ¿su toque personal? En las palabras de Van Mander: ‘¡fabricación no!, ¡ornamentación no!’. Él deja que la Naturaleza hable con su propia voz. ¡No hagas nada más!
Para eso, se necesita gran habilidad. Por muy hábil que era, algunos críticos encontraron su obra demasiado naturalista, porque era tan parecida a la realidad misma. ¿Dónde estaba la imaginación? Shishkin logró en esconderla en su arte. Más sobre eso adelante.
Él pintó de esta manera naturalista para captar las cualidades observadas, aquella hermosura que quita el aliento. ‘Es exacto como la cosa real’, dice el público, consiguiendo un sentimiento similar a la experiencia original del artista. ¿Qué hace estos cuadros tan conmovedores? No puede ser sólo la imitación, ¿o sí?

Observando, viviendo y representando

Gezien van de Riet. Observing

Gezien van de Riet. Observing

Obviamente no me atrevería a colocarme al mismo nivel que estos maestros, pero yo descubrí que el proceso de creación empieza en mi cabeza desde el momento en que la belleza del mundo exterior alcanza mi ojo: …debe ser este color…, aquel patrón…; esto debe incluirse…, aquello excluirse…
El atmósfera y la experiencia se imprimen en mi memoria. Observo más y más de lo que me atina: la arquitectura del árbol, las matices, graduaciones, peculiaridades. Una selección de todo ello, por supuesto, porque es imposible pintar cada pequeño ramo. Esa selección también se genera de mi personalidad. Una imagen se forma en mi mente.

Durante el proceso de pintar, el sentimiento o la experiencia original funciona como una fuerza propulsora y también como un crítico severo: ¿el atmósfera está siempre presente? Entonces, déjame agarrar esta brocha, escoger aquel color. El sentimiento, la experiencia, se juntan con la técnica. De esa manera el sentimiento entra en la obra de arte.

Gezien van de Riet. The Beech of Kijkuit-2

Gezien van de Riet. The Beech of Kijkuit-2, alkyd/oil on panel, 60x90cm

Todo tipo de poblemas deben ser enfrentados. Las formas y los colores tienen efectos diferentes sobre un panel que en la realidad.
Imagínate un espacio infinito donde un árbol extiende sus ramas desnudas. La pintura se limita a un pequeño cuadro. Debo compensar por ello. Porque quiero evocar justamente aquel espacio infinito, que caracteriza el atmósfera.
Una dificultad en ello es que el material pintado (“el cielo”), refleja la luz real, mientras en realidad el espacio se experimenta justamente por la luz en el aire, por las partículas de polvo que captan la luz.

Gezien van de Riet. Sketch for Beech of Kijkuit-2

Gezien van de Riet. Sketch for Beech of Kijkuit-2, pencil on paper

Errando por la representación, el ojo del observador debe gozarse libremente. Por eso, hay un patrón abstracto harmonioso subyacente a la representación, tomando en cuenta direcciones, contrastes, balances etc.
Ese patrón puede obligarte a remover ramas o doblarlas. A veces tomo una foto de la pintura en progreso para manipularla en Photoshop; eso puede ser más rápido que hacer esbozos. La ilusión del espacio en una superficie plana puede obligarte a cambiar los colores de los objetos más lejanos, incluso cuando no es conforme a como lo habías visto.

Distorciones inconspicuas

En resumen, en el realismo naturalista el pintor concientemente aplica distorciones, pero de la manera menos conspicua posible. Debe estar escondido. Cuanto más hábil la ejecución, tanto más conmovedora la representación de la experiencia. Las distorciones inconspicuas pueden ser encontradas en muchas obras de arte clásicas.¿Sentimientos personales? Sí, muy personales, pero en el sentido de un compromiso total. Lo que realmente es añadido por el artista es el encanto que estaba ahí en la experiencia original, la belleza, la excitación, guiados por su talento artístico.

Conclusión

Mirando Una calle en Utrecht a contraluz, puedes pensar: Ah sí, ya conozco eso”. Entonces seguirás tu camino y te privarás de su belleza. Esa será reservada al observador o la observadora atenta. Él o ella caminará en su mente por esa calle, con aquel atmósfera agradable. ¿Cómo se logró esto? Por toda una serie de decisiones tomadas por el artista, que las logró a ocultar.

¿La imitación es sólo virtuosismo? Es más que ello. Porque ¿cómo es posible que el arte del Siglo de Oro Holandés siga encantando a millones de personas? Los pintores mismos estaban encantados por la belleza y lo expresaron hábilmente en sus obras.

Gezien van de Riet. Reaching for the Sky

Gezien van de Riet. Reaching for the Sky, watercolour/pastel on paper, 60x40cm

Dennis Dutton plantea en su libro The Art Instinct 13) que el amor a la belleza es innato. Mientras ese amor no se extinga, siempre habrá gente captada por la belleza y artistas llevados a recrear la belleza encontrada en la realidad.
Dogmas no, por favor. Hay muchos caminos hacia la belleza; el naturalismo contemporáneo tiene derecho a su lugar en el arte y la historia del arte.

Notas

12) Henk van Os, Voor het eerst: Russische landschappen, p.39. In: Patty Wageman & David Jackson (ed.), Het Russisch Landschap. Groninger Museum, Groningen & The National Gallery, London, s.d.
13) Dennis Dutton, The Art Instict. Beauty, Pleasure & Human Evolution. New York 2009.


Noticias

Galería Artelibre

Además del libro ‘Leonardo. Guía de arte y artistas’ la Galería Artelibre publica anualmente ‘Arte y Libertad’ con alrededor de cien artistas de todo el mundo. Apareció a finales de 2018 y mi trabajo está incluído también!

My pages in Arte y Libertad XIII

My pages in Arte y Libertad XIII

Esta galería está en Zaragoza y quiere ser una ventana para artistas de todos lados. Es una galería virtual y tiene una web con much@s artistas: www.artelibre.net. Mi página es: http://www.artelibre.net/en/node/27050.
Con mucho entusiasmo, se organizan todo tipo de actividades. Como son: la publicación de libros, la organización de una competencia anual de retratos, llamada Modportrait, junto con el MEAM. También clases de arte en el taller de la galería en Zaragoza y la organización de exposiciones en otras localidades.
Cuando se habla de la galería, se hable de Jose Enrique González.

‘Our Gingko’ on the easel

‘Our Gingko’; Arantxa Lobera (left near easel) put it on the easel to show it to visitors

En noviembre del año pasado visité con mi esposo J Galería Artelibre para entregar mi obra ‘Nuestro Gingko en otoño’ para la exposición ‘20 años, en 20×20’ que marcará el 20º aniversario de la galería. Han de participar un@s 150 artistas, tod@s con una obra de 20×20 cm. Se puede decir que el 20 significa 20 años de promover el realismo. Esto me calienta el corazón! Igual que el ahinco del Museum Møhlmann en Appingedam (Holanda) o del MEAM en Barcelona.

José Enrique González, Tetuán II, Dry oil

José Enrique González, Tetuán II, Dry oil on paper, 50x40cm

José Enrique González nos recibió con toda hospitalidad y nos mostró su gran colección de obras de arte. Me mostró la técnica del ‘óleo seco’. Casi parece dibujar: debes aplicar la pintura de óleo al pincel por tanto tiempo que parece seco al tocar; luego puedes aplicarlo sobre papel, como se ve en Tetuán II.

Hemos podido asistir a la inauguración de la magnífica exposición internacional ‘Algo más que realismo’ en Zaragoza. También es un evento anual.

En resumen, nuestra visita Galería Artelibre fue una alegría y una inspiración!

Pedro del Toro, ¿Sí? Oil on canvass

Pedro del Toro, ¿Sí? Oil on canvass, 116x114cm

Opening ‘Algo más que realismo’

Opening ‘Algo más que realismo’

José Enrique González (center) at ‘Algo más que realismo’

José Enrique González (center) at ‘Algo más que realismo’

Traducción NL-ES: Jeroen Strengers

Imitation and Imagination 3. Disclosure of Dutch Golden Age art theory

Imitación y Imaginación 3. Teorías de arte del Siglo de Oro holandés reveladas

Dürer-imitate-figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman

Previamente

En mayo de 2018 dí una conferencia, Imitación e Imaginación, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda.
Se trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación. El naturalismo tiene un alto grado de imitación. Vea por ejemplo un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. » 

Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¿Que el naturalismo carece de imaginación? Pero, contestaré la esta opinión.
Parte 1 de la conferencia: blog agosto 2017 (vea Archivo)
Parte 2: blog agosto 2018
Parte 3: la que sigue (elaborado)

Teorías de arte del Siglo de Oro holandés reveladas

Demos un salto en el tiempo hacia el año 2000. El libro Rembrandt. The Painter at Work es publicado. Un verdadero tesoro del Siglo de Oro holandés es revelado de manera experta y fascinante por Ernst van de Wetering. Se trata nada menos de las teorías de arte sobre el realismo, olvidadas durante más de tres siglos. Resulta que los artistas de aquella época eran eran muy versados en teoría de arte, lo cual había perfeccionado su comprensión y capacidad. ¡No en vano tienen fama mundial!
Por supuesto que esto vale sobre todo para Rembrandt, que ponderó, investigó, experimentó y desarrolló nuevas técnicas.

Rembrandt. The Painter at Work & Rembrandt. The Painter Thinking. Art theory Dutch Golden Age

Rembrandt. The Painter at Work & Rembrandt. The Painter Thinking.

Esta noción llegó a mí leyendo este libro con creciente asombro. ¿Por qué aqeullas ideas no son conocidas ahora? Escribí a Ernst van de Wetering que me gustaría saber más sobre aquellas teorías, pero que no tenía tiempo para leer los textos originales en su lenguaje del siglo XVII. No era necesario: me dio otros textos no publicados y en 2016 se publicó Rembrandt. The Painter Thinking. Nuevamente, yo estaba perpleja: salió a la luz una fuente rica para el arte – ¡tantas ideas inteligentes depositadas en tratados teóricos del arte!
Van de Wetering me contó que muchas personas le dijeron que sus libros eran como una revelación para ellas, mismo cuando pensaban que estaban bien informadas sobre Rembrandt y el arte del siglo XVII. ¡Igual que yo!
Volvamos ahora a aquella época, el Siglo de Oro.

Tesoro de arte en el Siglo de Oro Holandés

En la pintura holandesa se originó un realismo muy particular, ya en el siglo XVI, pero sobre todo el en siglo XVII. Varios pintores desarrollaron sus ideas sobre el arte y escribieron manuales. Enfatizaron la importancia de la imitación y la observación. Por supuesto incluyeron elementos clásicos como la perspectiva o la anatomia.

Karel-van-Mander-Het-Schilder-Boeck

Karel van Mander, Het Schilder-Boeck, 1604

El pintor-autor Karel van Mander describió un gran cantidad de fenómenos naturales en Het Schilder-boeck (El Libro de Pintura).3)

Samuel van Hoogstraeten: Art History Dutch Golgen Age

Samuel van Hoogstraeten: Art History Dutch Golgen Age

El antiguo alumno de Rembrandt, Samuel van Hoogstraeten, también escribió un manual importante: Inleyding tot de hooge schoole der schilderkonst: anders de zichtbaere werelt. 4) Estos libros pertenecían al equipaje cultural de todo pintor que se autoestimaba.
Se puede leer todo sobre ello en Rembrandt. The Painter at Work, y Rembrandt. The Painter Thinking, y otras publicaciones de Ernst van de Wetering. Ofrecen una lectura fascinante, sin duda también para los realistas contemporáneos, y estimulan la concientización de muchos aspectos de la mirada y de la representación.

Era esencial de crear espacio para obtener la ilusión de la realidad.

Rembrandt, details Nightwatch

Rembrandt, details Nightwatch

Aparte de la perspectiva, la percepción era un elemento importante. Se descubrió que si ponías un pedazo de papel color celeste contra el cielo del mismo color, siempre notarías que el papel está cerca y el cielo infinitamente lejos, por lo rugoso del papel.5)

Rembrandt aplicó este fenómeno a menudo, vea el detalle de La ronda de noche. La aplicación del descubrimiento de las leyes de la percepción contribuiría a la tridimensionalidad. ¡Imagínate aquellos pintores ponderando ese tipo de cuestiones!
La idea que el aire tiene substancia, que toma cuerpo en una distancia corta, y que su prensencia debería ser sugerida alrededor de cada objeto para crear espacialidad es maravillosa.

Rembrandt-Anatomy Lesson

Rembrandt, detail The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp

Van de Wetering: “El joven Rembrandt ya había aplicado esta noción con gran sutileza en ‘La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp’.” Plantea:

“Sólo cuando se toma nota concientemente de estas modulaciones de luz y tonalidad extremadamente refinadas de una cabeza y golilla a otra, de los cercas hasta el fondo, es que se evidencia que esto es una de las principales razones para el marcado efecto atmosférico de los cuadros de Rembrandt.”6)

Otras ideas para crear la ilusión del espacio han sido aplicadas en la fenomenal La ronda de noche. Se nota esto claramente comparando La ronda de noche con otros cuadros con el mismo tema que están expuestos en el mismo Rijksmuseum, Amsterdam.

Había también un tratado sobre los grados de sombra y qué tipo de pigmento había que usar en pintarlos. O aún la teoría de la disminución numérica de un rayo de luz penetrando una habitación.7)

Vermeer-Art-Painting

Vermeer, The Art of Painting

Vermeer probablemente estaba al tanto, como se evidencia por la luz interior de sus cuadros. Creó una combinación genial de espacialidad e intimidad.
Estos ejemplos demuestran el nivel de conocimiento excepcional entre los pintores de la época. No quiero decir que debemos copiar estas teorías, pero sí podemos aprender de ellas, y mejorar nuestro arte.

Realismo: banal, vulgar

Otro autor sobre esta época es Boudewijn Bakker. Relata que el realismo extremo de los holandeses invitaba la crítica de los italianos: ¿imitación?, está bien, pero ¿qué es de la imaginación?

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Hals, Laughing Boy

Al fin y al cabo, el arte debería levantar la realidad hacia un nivel superior, creando la belleza perfecta, idealizando. La temática holandesa era juzgada de ser banal, vulgar.

Una caricatura del artista inglés Thomas Rowlandson muestra cómo se vio este realismo holandés aún en el siglo XVIII.

Rowlandson, Dutch Academy

Rowlandson, Dutch Academy

La teoría clásica del arte enseñaba que los estudiantes debían dibujar estatuas antiguas, ya que estas tenían las proporciones perfectas. Samuel van Hoogstraten, que más tarde había de volverse a un estilo más clasicista, se quejaba de los modelos feos que Rembrandt llevaba a su estudio.

“En verdad, me quejo de mi suerte cuando miro mis antiguos dibujos académicos, que nos enseñaron tan parsimoniosamente en nuestra juventud; ya que no es más trabajo copiar una postura graciosa que una desagradable y repugnante.”8)

En efecto, Rembrandt iba muy lejos… En uno de sus autorretratos descubrí una pústula en su mejilla. Obviamente le gustó pintar esta ‘verdad’.

Rembrandt-Self-Portrait-1659

Rembrandt Self Portrait, 1659, detail

Conté esto a mi muy querido profesor Diederik Kraaijpoel, cuando en una ocasión estábamos discutiendo sobre realismo, estilo y arte. ‘Sin estilo no hay arte’, había escrito en uno de sus libros; lógico, la realidad no tiene estilo. Entonces, un realismo tan naturalista, –le pregunté–,  con una pústula mostrando la pura verdad, podría ser considerado como algo más allá de cualquier estilo? De todos modos mi profesor no podía creer que Rembrandt realmente había pintado este pústula. Y sobre realismo muy naturalista comentaba: jamás puede ser una copia, el artista siempre hace una selección de la realidad.

La respuesta: un ‘hallazgo’

Karel van Mander respondió a la crítica italiana planteando: ”En la vida se encuentra todo”, no hay mejor manual. En el ‘libro de la naturaleza’, la creación visible es considerada como el el segundo o incluso el primer ‘libro’ de revelación divina, junto a la Sagrada Escritura.

Intensive-Looking

Intensive Looking

La Invención, o la Imaginación, también se puede considerar como un ‘hallazgo’, algo hallado en la naturaleza después de una observación larga y aguda. La observación intensiva es la llave hacia la belleza. La belleza está encerrada en la realidad. La realidad es creada por Dios.9)

 

 

El pintor debía empezar a trabajar desde la naturaleza cuánto antes. Y ¿el estilo, la maniera? Su consejo: no vayas a fabricar, “¡id de la ornamentación hacia la verdad!” Las fabricaciones podrían afectar la ilusión de realidad. El pintor no debía estilizar ni idealizar, sino caracterizar. 10)

Rembrandt-Girl-Pictureframe

Rembrandt, Girl in a Pictureframe

Para Rembrandt, ‘la verdad’ era la vida, a capturarse en su ‘vitalidad más natural’. Van de Wetering observa que el cuadro Una joven dentro de un marco da la impresión que la joven está a punto de poner su mano derecha sobre el marco; hasta la pendiente parece moverse; la vida es capturada en el momento.11)

Pues, los holandeses se desviaron de la teoría del arte corriente. La imitación era altamente apreciada. Pero la invención o la imaginación nunca estaban muy lejos. La belleza dentro de la verdad, intensamente observada por el artista, era transferida a la obra de arte.
Para mí, sentía como volverse a casa. Yo siempre había pensada de esa manera.

………………
3) Mander, Karel van. Het Schilder-Boeck. Haarlem,1604.
4) Hoogstraten, Samuel van. Inleyding tot de hooge schoole der schilderkonst: anders de zichtbaere werelt. Davaco Publishers, s.l., 1969.
5) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter at Work. Amsterdam, 2000. p. 183.
6) Id., p.187.
7) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter Thinking. Amsterdam, 2016. p.157.
8) Emmens, ) J.A.. Rembrandt en de regels van de kunst. Amsterdam, 1979. p.220.
9) Bakker, Boudewijn. “Natuur of kunst? Rembrandts esthetica en de Nederlandse traditie.” In: Christiaan Vogelaar e.a., Rembrandts landschappen. Zwolle, 2006. p.163.
10) Id., p.167, 166.
11) Wetering, Ernst van de. Rembrandt. The Painter Thinking. Amsterdam, 2016. p.263.

Traducción NL-ES por Jeroen Strengers

Imitation and Imagination 2, TRAC2018. Noticias.

 

Imitation and Imagination 2, TRAC2018

Dürer, how to imitate complex figures

Dürer, A Draftsman Making a Perspective Drawing of a Woman.jpg

En mayo de 2018 dí una conferencia, Imitation and Imagination, en TRAC2018 (The Representational Art Conference) en Holanda, junto con Ernst van de Wetering, el mayor mayor experto de Rembrandt en el mundo. Su contribucón trató de Rembrandt y la apreciación de calidad en el arte. Su conferencia estaba basada en:

A  CORPUS  OF  REMBRANDT  PAINTINGS  Volume  V  Chapter  IV  with  the  title:  On  quality:  Comparative  remarks  on  the  function  of  Rembrandt’s  pictorial  mind  (pp.  283  –  310).  Freely  accessible  in  The  Rembrandt  Database:

http://rembrandtdatabase.org/literature/corpus?tmpl=pdf&pdf=/images/corpus/CorpusRembrandt_5.pdf

Rembrandt, Abraham's sacrifice and Unknown, Abraham's sacrifice

Rembrandt, Abraham’s sacrifice and
Unknown, Abraham’s sacrifice

Mi conferencia trató del realismo naturalista, el área de tensión entre la imitación y la imaginación en el arte clásico, incluído la variante contemporánea.
El naturalismo es una de las muchas expresiones del arte representacional, una con un alto grado de imitación.
Vea un comentario respecto a una pintura bastante realista, en Facebook (28-10-2014):

Huysman. Street in Utrecht i

Gerard Huysman. Utrecht, street in backlight, oil on panel, 2013

« No entiendo por qué un artista se daría tanto trabajo para hacer un cuadro como este, que se parece tanto a una foto. Para eso tenemos cámaras. Veo la habilidad del artista, pero no el alma. »

 

Esto es una opinión que se oye frecuentemente. Porque realmente: ¿no es que la imitación está estorbando la imaginación? ¡Exactamente! No hay alma, no hay creatividad artística. Y de esto se trata en esta discusión.
Contestaré la opinión que el naturalismo carece de imaginación.

La primera parte de la conferencia se publicó en un blog anterior (vea Archivo, agosto 2017).
La segunda parte de Imitación e Imaginación es la que sigue.

Sin embargo, la crítica en la cita sí concuerda con mis dudas sobre mi propia obra. Me sentí afligida por preguntas:
● ¿El realismo naturalista es igual a copiar?
● ¿Es una forma de arte inferior? ¿Es aburrido?
● A mucha gente le gusta este tipo de obras, pero esto no significa que es arte relevante.
● ¿Aporta algo? Al fin y al cabo, la realidad, el mundo real, ya está ahí. Deberías hacer algo con ello, añadir algo.
● ¿No deberías meter tus sentimientos personales en tu arte?

drawing I don't know any more

I don’t know any more, pencil-eraser-paper

Arte bueno, ¿quién lo juzga?

El realismo contemporáneo en los Países Bajos ha florecido por treinta años ahora. Esto es bién especial en Europa. Sin embargo, las instituciones oficiales de arte y los medios de comunicación generalmente no lo han tomado en cuenta. Despues de treinta años esto es muy raro. Se retiene un tesoro cultural al gran público.
Recientemente, una periodista escribió un un prestigioso periódico holandés que el realismo puede ser riesgoso. Sí, virtuosismo es necesario, escribe ella, pero el comentario ‘Parece una foto’ no es un cumplido. ‘Parece real’, aún menos. El artista debe exponerse a sí mismo, si no su pintura no será nada más que una ilustración. Ella menciona a Henk Helmantel, que dijo que no busca expresar sus sentimientos personales.1) En la interpretación de ella, lo que él produce no son nada más que ilustraciones, muy lejos de verdaderas obras de arte.

No hay nada en contra de sentimientos personales en el arte. Pero parece que hay un consenso que la personalidad, los sentimientos del artista, son primordiales, mientras que otras aproximaciones son excluídas o rechazadas.
Aunque no es exactamente lo mismo, me hace pensar en Giorgio Vasari, que indicó que el buen arte, aparte de imitación e imaginación, debe tener estila y maniera, un estilo artístico personal y elegante.2) De veras, un estilo propio añade algo al arte.

Van de Riet, Drawing Model and Daphne

Gezien van de Riet. Left: Drawing her model, acryl/oil on linnen, 1996, and right: Daphne, oil on canvas, 2016

Pues uno podría argüir que mi desarrollo hasta ahora simplemente ha tomado la dirección equivocada. Unos veinte años atrás pinté La pintora y su modelo, vea la imagen a la izquierda. A la derecha una obra reciente, Dafne. Ha movido de un toque suelto, colorido libre e imaginación libre hacia un naturalismo.
Y el naturalismo está enfocado menos en el estilo y el toque personal.
Sí, en mis años de principiante a menudo tenía un toque personal. Esas obras nunca serán llamadas copias o fotos. ¿Por qué cielos opté por una manera más naturalista de pintar? ¡Sólo me he complicado las cosas!
El chiste era: no era mi culpa. Más y más yo quería celebrar la belleza que había observado, para apropiarme de ella.

Los antiguos griegos

¿Podría ser que la historia del arte había testimoniado discusiones anteriores sobre esta cuestión? Empezé una búsqueda.
Los antiguos griegos tenían una gran apreciación para el detalle naturalista. Los pájaros debían confundir las uvas pintadas por reales, tratando de picotearlas. Una anécdota sobre Apeles demuestra claramente su admiración para la imitación. El caballo que él pintó era tan natural, que el caballo de Alejandro Magno empezó a relinchar al verlo.

Los griegos tenían opiniones claras sobre la imaginación. El artista debía tener en mente la Idea platónica, la forma perfecta, la belleza supernatural del objeto que quería representar. Esto no se lograba de manera automática, porque los modelos sólo eran simples mortales. Hasta el cuerpo humano más bello podía tener tobillos gordos. Pues en este caso ¡tomarías los tobillos de otro! Idealizando de esta manera, el artista trascendería la mera imitación.
Aquí las tenemos: la imitación y la imaginación…

Aphrodite and Alexander as Hunter.jpg

After Praxiteles. Aphrodite, and After Lysippus. Alexander as hunter, both 4th century BC

Pero de repente tuve un sobresalto. Leí sobre el escultor Lisipo, que trabajó en la corte de Alejandro Magno. Él quería transferir lo que veía de una manera naturalista. No al seguir las reglas corrientes para la belleza perfecta, formuladas por los antiguos maestros, sino su propia observación.
No se sabe mucho con certeza sobre Lisipo. Pero la escultura atribuída a él, Alejandro cazador, demuestra claramente un realismo naturalista. Quienquiera que lo hizo, el artista era capaz de imitación avanzada.
Me gustó este Lisipo.

1) Roodnat, Joyce. “Met drift geschilderde ‘kleine onderwerpen’ “. NRC, 2018-02-28.
2) Vasari, Giorgio. Lives of the Artists. Volume 1. Introduction by George Bull. London, 1987. p. 19-20.
Imitación e Imaginación continuará en los próximos blogs.

Galería Artelibre “20 años, en 20×20”

Galería Artelibre

Galería Artelibre

La galería Artelbire me invitó a participar en su galería virtual, en la categoría de Grandes Autores. Esta galería, basada en España, tiene artistas en su sitio como Anders Zorn, Natalie Holland, David Kassan.

Galería Artelibre Artistas del mes

Galería Artelibre Artistas del mes

Desde ya más de veinte años quiere promover el realismo a nivel internacional y ¡esto me ha robado el corazón! Una exposición especial celebrará su vigésimo aniversario: “20 años, en 20×20” (todas las obras serán del tamaño de 20x20cm). La exposición viajará por toda España y visitará también el MEAM, Museo Europeo de Arte Moderno, en Barcelona. ¡Mi obra será parte de ella!

Link: http://artelibre.net/autor/27050

Calendario, agenda, tarjetas

La editora de arte Bekking&Blitz ha publicado agendas y calendarios de arte para el año 2019. Una de mis obras figura ahí entre otros artistas como Sorolla, Sargent, Kenne Grégoire.

Kunst weekalender en aganda's Bekking&Blitz

Kunst weekalender en aganda’s Bekking&Blitz

En Brujas, Bélgica, ví una tarjeta de una de mis pinturas en el Museo Groeningen. Me dijeron que era prohibido sacar una foto de ello. Expliqué que se trataba de una obra mía, pero en vano. Sin embargo, desobedecí y el empleado amablemente pretendió no verlo…
En el Drents Museum en Assen, Holanda, también tenían mis tarjetas en venta, y también mi libro. ¡Un lindo estímulo! Es una ayuda para lo que en marketing se llama brand awareness. Cosas pequeñas, pero…

Groeninge en Drents Museum cards and book Gezien van de Riet

Groeninge en Drents Museum cards and book

Traducción por Jeroen Strengers

Historia del arte: un nuevo capítulo

Por Gezien van de Riet
Con una contribución de Joke Frima sobre la Da Vinci Initiative

FACE-TRAC 2017
FACE: Figurative Art Convention and Expo (Convención y Exposición del Arte Figurativo), junto con TRAC: The Representational Art Conference (La Conferencia del Arte Representacional), Miami, 8 a 11 de noviembre de 2017

FACE TRAC MIAMI

FACE TRAC 2017 opening

Un continuo, mi sueño
¡Un movimiento! La tradición clásica en un molde moderno, énfasis en profesionalismo, refelexionar sobre lo que produces –contenido y forma–, sobre tu contribución a la cultura.
Fortalecerse juntos. Fundarse en la historia del arte oficial. Eso era mi sueño, ya desde el comienzo de los años 80, cuando empecé seriamenete a dibujar y pintar.
Ya desde la Antigüedad griega, la tradición clásica siempre ha conocido muchas variantes. Actualmente, una nueva variante se añade a ella. Daniel Graves, fundador de la Academia del Arte de Florencia, también habla de un continuo, en vez de una tradición. Lo que tienen en común todas estas variantes is la representación de la realidad visual. Esto requiere una gran medida de profesionalismo artesanal ; si sólo piensas de pintar el cielo o el espacio : la pintura es algo diferente… bronce no es lo mismo que carne…
La belleza, incluyendo la del tipo imponente o dramático, también forma parte de este continuo. En la aspiración no se trata sólo de la técnica, no sólo del contenido, sino de una influencia mutua de ambos elementos. Se trata del Arte con mayúscula, ¿por qúe no?

Max Ginsburg

Max Ginsburg: Bus stop

TRAC2014 en California
En 2014 divisé por primera vez que este sueño podría hacerse realidad. En Facebook ví un mensaje sobre TRAC2014 en California: The Representational Art Conference (La Conferencia del Arte Representacional), que pretendía fundamentar teóricamente la tradición clásica. ¡Ahí yo tenía ir! Palabras como ‘Renacimiento’ y ‘movimiento’ flotaban por el aire en un salón encantado con más de 300 asistentes entusiastas. Una persona a mi lado rumpió a llorar espontáneamente. ¡Finalmente una salida del aislamiento que muchos habían experimentado, finalmente una amplia apreciación por el figurativo, el realismo! Y eso a nivel internacional. Ya se lo identificó como ‘el mayor movimiento en el mundo del arte contemporáneo’. ¿Seguiría en pie?
De vuelto en Holanda traté de pasar el mensaje al mayor número posible de interesad@s. Lea más en mi blog anterior ‘TRAC2014. ¡Movimiento!’ Pensaba que sería genial de tener un TRAC también en Holanda, en Europa.

TRAC2015 en California
El mensaje resonó entre vari@s colegas. Sin embargo, los pasajes y el hotel no venían baratos. Era formidable que Tom Hageman, director de la Academia Clásica de Groningen, y la artista holandesa Joke Frima, podían participar. Yo debía exponer sobre ‘realismo fiel a la naturaleza’, pero no podía asistir por enfermedad.
Lamentablemente en 2016 resultó que TRAC no podía continuar con la misma fórmula. Un momento crítico.

Steven Assael

Steven Assael

FACE-TRAC-2017 en Miami
Pero ahora: aquí está FACE: Figurative Art Convention & Expo (Convención y Exposición del Arte Figurativo), ¡por primera vez en el mundo! El sueño de un movimiento se ha hecho realidad, dicen los fundadores. FACE se dirige a las piedras angulares del arte representacional, o figurativo, o realista, o cómo lo quieras llamar. Durante el evento podías dibujar y pintar con modelo, con la orientación de artistas de primer rango y fama internacional, que también dan demostraciones, como Max Ginsburg, Steven Assael o Daniel Gerhartz. También había oradores.
A veces yo pensaba que halucinaba. Por un lado el foco estaba en la aspiración a una calidad y visión conectadas al pasado, los grandes maestros de la tradicón clásica, un fortalecimiento de tu propia aspiración. Por otro lado había una perspectiva del futuro : cómo conectar con la joven generación que tiene un equipaje cultural muy distinto, qué significa para el arte que el hombre del futuro será cada vez más artificial, qué significa que las más recientes técnicas de reproducción hacen obsoleta el ‘arte lenta’.

Max Ginsburg and Juliette Aristides

Demo painting portrait Max Ginsburg and drawing model Juliette Aristides

Daniel Gerhartz

Demo painting portrait Daniel Gerhartz

Lo interesante es que FACE invita a TRAC de participar en evento. TRAC puede continuar su labor de una fundamentación teórica del arte representativa.
Otra vez hay más de 300 participantes, entre ell@s Joke Frima y yo representando a Holanda. Ahora podemos llamarnos ‘Miembros Fundadores’.
No sólo pintores y escultores participan en el movimiento. Sobre todo en EE.UU. se han generado todo tipo de iniciativas de amantes e historiadores del arte, para propagar y profundizar el realismo contemporáneo. Este apoyo es esencial para la continuación de la tradición clásica, para su fundamentación institucional, para la concientización de una audiencia más amplia, porque (seamos realistas) l@s artistas no siempre tenemos tiempo u oportunidad para todo ello.
A partir de esta vez, FACE será un evento anual.

Los padres fundadores: Eric Rhoads, Peter Trippi y Michael Pearce

Eric Rhoads, Peter Trippi, Michael Pearce

Eric Rhoads, Peter Trippi, Michael Pearce

Eric Rhoads with me and my book

Eric Rhoads with me and my book

Eric Rhoads, fundador de FACE, director ejecutivo de revistas de arte como Fine Art Connoisseur, PleinAir magazines, Convenciones y Exposiciones ‘Plein Air’ anuales (pintar al aire libre), y mucho más. FACE selecciona los mejores artistas que también tienen el don de animar e inspirar a otros en sus demostraciones y orientaciones. Vea también Fine Art Connoisseur de diciembre de 2017.
Peter Trippi, redactor en jefe de Fine Art Connoisseur y co-curador de la exposición de Lawrence Alma Tadema en el Fries Museum de Leeuwarden, que luego movió a Londres y Viena, y actualment de la exposición ‘The American Dream’ en el Drents Museum en Assen, y más.
En 2005 ellos iniciaron la revista Fine Art Connoisseur. En 2011 tomaron la iniciativa para un movimiento. Unos 20 artistas influyentes de fama mundial fueron invitados para una reunión reservada. Tristemente, no se podía superar el nivel de intereses individuales. El teimpo aún no era maduro. Sin embargo, la idea caló con:
Michael Pearce, pintor y catedrático de la facultad de artes de la Universidad Luterana de California. Él empezó con TRAC en 2012, junto con Michael Lynn Adams, que estaba involcurado hasta 2015.
« Antes de TRAC no había conferencias sobre arte realista o figurativa », segùn dice Michael Pearce. « Esto es estraño, porque había y hay una cantidad enorme de arte representativa y un extenso público interesado. Parecía un hueco grande que debía ser llenado. »

Temas de TRAC
De los muchos temas tratados por TRAC menciono aquí : el posmodernismo y la tradición clásica contemporánea; la importancia de la belleza; la neuro-estética; la conección con la juventud; etnocentrismo en la crítica del arte; la educación del arte.

#FACE17

Our team had a fantastic time at the Figurative Art Convention & Expo and we can't wait until next year! Thank you to all of the faculty and attendees for making this possible. It was a memorable experience. 🙂 #FACE17

Geplaatst door Fine Art Connoisseur Magazine op Dinsdag 14 november 2017

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La Iniciativa Da Vinci: un cambio cultural de la educación del arte
Relación de la conferencia de Amanda Theis en TRAC2017
Por Joke Frima.

Amanda Theis nos cuenta con pasión sobre su trabajo en la Iniciativa Da Vinci (DA Vinci Initiative; DVI), que se dedica a una educación ‘skill-based’, o sea basada en el desarrollo de habilidades en el dibujo y la pintura. DVI compone programas educativos con el fin de compartirlos y usarlos en la educación secundaria del sistema escolar estadounidense.

Da Vinci Initiative

Da Vinci Initiative

DVI tiene un canal online en YouTube donde se han publicado 30 videos de 5 minutos.
Es de libre acceso para todos: www.davinciinitiative.org/

egg cup 1

egg cup 1

egg cup 2

egg cup 2

Amanda descubrió que la mayoría de profesores de dibujo y manualidades son de la opinión que el dibujo, si tiene que ver con el arte, no puede ser enseñado. Esta opinión casi común la encontró durante los cursos suplementarios de fin de semana y de verano, obligatorios para docentes en EE.UU.

A Bargue drawing

A Bargue drawing

La mayor crítica a la visión de DVI es que la educación dirigida a habilidades sofocaría la creatividad. Pero Amanda sostiene que las habilidades son simples instrumentos a servicio de la creatividad.

Ella cree prudente de no mencionar el modernismo durante los talleres y cursos. L@s participantes de la educación basada en habilidades pueden sacar sus propias conclusiones. Muchas personas son visualmente ‘analfabetas’ y la educación basada en habilidades les abre una nueva dimensión.

Drawing perspective from life (self made robots)

Drawing perspective from life (self made robots)

Self-portrait by Ray Wanda Totanes, 15 year old

Self-portrait by Ray Wanda Totanes, 15 year old

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ella comenta sobre los padres que se inquietan sobre el futuro de sus hijos que quieren estudiar este tipo de arte : « La educación basada en habilidades no te dará un grado académico, pero sí un empleo. » Amanda misma ha gozado de una instrucción en el taller de Juliette Aristides en Seattle. En EE.UU. un taller de este tipo no te otorga la licencia para enseñar. Esta sólo se consigue con un estudio universitario. El problema es que esas carreras de arte universitarias no ofrecen una educación basada en habilidades.
Amanda quería saber de los participantes a dónde puede remitir l@s jóvenes para obtener una buena instrucción de taller.

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TRAC2018 in Leeuwarden

TRAC2018 in Leeuwarden

TRAC2018TRAC2018 en Holanda, como primer país en Europa
Del 1o al 4 de mayo de 2018 en Leeuwarden.

www.trac2018.com

Seguir: internet y mi blog.

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Próximo blog: continuación de ‘Imitatio et Inventio’

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Traducción NL-ES : Jeroen Strengers